100 aniversarios destacados de películas en el 2021

Siempre es un buen momento para homenajear al cine, pero este 2021 es especial. No sólo por las dificultades que han aquejado a la industria en los últimos meses, sino por todas las películas que nos han acompañado durante nuestras respectivas estancias en casa a lo largo de la pandemia. Es por esto que decidimos rememorar las cien películas más importantes que  celebran aniversarios destacados en 2021: de las cintas que nos emocionaron hace apenas un lustro a los grandes clásicos de todos los tiempos.

¿Cuántas han visto y cuántas tienen pendientes?

5° aniversario (2016)

La La Land (Dir. Damien Chazelle)

El siglo XXI trajo un resurgimiento importante del musical, lo que permitió un acercamiento importante a las nuevas audiencias, aunque sin emular los éxitos de antaño. Las sensaciones cambiaron con el estreno de La La Land, que rescató los valores más primarios del género al tiempo que rindió un emotivo homenaje al cine hollywoodense y los sueños que ha inspirado por generaciones. Su magia, combinada con importantes dosis de realismo, resultó en una fórmula perfecta que le permitió conquistar a las audiencias y que abrió el camino para un estupendo paso por la temporada de premios. Lamentablemente, este no pudo cerrar con broche de oro, luego de que el Oscar a Mejor película le fuera literalmente arrebatado de último minuto por Moonlight en uno de los momentos más polémicos en toda la historia del certamen. Poco importó la derrota, pues a un lustro de distancia se ha afianzado como una de las películas más queridas de su tiempo.

La llegada (Dir. Denis Villeneuve)

Estación zombie: Tren a Busan (Dir. Sang-ho Yeon)

Kubo y la búsqueda del samurái (Dir. Travis Knight)

Rogue One: Una historia de Star Wars (Dir. Gareth Edwards)

10° aniversario (2011)

Contagio (Dir. Steven Soderbergh)

Contagio siempre fue una estupenda película, pero lo cierto es que en una situación normal, tal vez no habría llegado hasta aquí en nuestra lista de aniversarios destacados. Sin embargo, la pandemia del 2020 hizo que su aparición fuera prácticamente obligada al ser una de las películas más vistas del año recién terminado, ya que su atinada construcción anticipó con gran certeza lo sucedido y como tal, fue de gran ayuda para que el público comprendiera de una manera sencilla la evolución del virus, el modo de combatirlo por parte de las autoridades e incluso el peligro de la desinformación en tiempos de crisis sanitaria. El propio Steven Soderbergh ha reconocido que esta respuesta le ha inspirado a desarrollar una secuela filosófica que presuntamente mostrará las consecuencias de la enfermedad en un mundo moderno que batalla por ajustarse a una nueva normalidad.

El árbol de la vida (Dir. Terrence Malick)

Terrence Malick es uno de los directores más profundos de todos los tiempos, al ser capaz de crear obras de gran complejidad narrativa a partir de premisas aparentemente sencillas. Tal es el caso de El árbol de la vida. A nivel superficial puede ser descrito como un coming of age en el que un hombre de mediana edad rememora su infancia; a profundidad es una reflexión de conceptos metafísicos como el tiempo, la vida y la muerte. Una labor que requirió el talento conjunto de Brad Pitt, Jessica Chastain y Sean Penn, así como la fantástica visión de Emmanuel Lubezki en el que suele ser considerado uno de los proyectos más representativos de toda su carrera. A diez años de su estreno, sigue inspirando toda clase de interpretaciones de parte del público y la crítica que la han abrazado como una de las mayores expresiones artísticas del cine contemporáneo.

Harry Potter y las reliquias de la muerte – Parte 2 (Dir. David Yates)

Medianoche en París (Dir. Woody Allen)

Moneyball: El juego de la fortuna (Dir. Bennett Miller)

Super 8 (Dir. JJ Abrams)

Melancolía (Dir. Lars von Trier)

15° aniversario (2006)

El laberinto del fauno (Dir. Guillermo del Toro)

Guillermo del Toro es dueño de una carrera polifacética que ha deambulado libremente y con enorme éxito por el cine mexicano, estadounidense y español. Este recorrido fue determinante para la construcción de la que es considerada una las mayores joyas en su filmografía: El laberinto del fauno. Por un lado, un cuento de hadas contemporáneo sobre una princesa perdida que intenta regresar a su reino ancestral; por el otro, un drama histórico que muestra los últimos focos de resistencia de la Guerra Civil Española; y en el medio, una pequeña cuyas vivencias han inspirado múltiples interpretaciones. ¿Es real el fauno que guía sus pasos o una visión producida por el desencanto que caracteriza su existencia? Su trama aunada a sus altos valores de producción le valió ser nominada al Oscar en la categoría de Mejor película extranjera. No ganó, pero sigue gozando de enorme popularidad entre las audiencias que, a lo largo de estos últimos quince años, han sabido mirar las pequeñas huellas que la princesa dejó en su paso por nuestro mundo.

Niños del hombre (Dir. Alfonso Cuarón)

La novela The Children of Men se desarrolla en 2021, pero la producción encabezada por Alfonso Cuarón trasladó las acciones al 2027 para dar más tiempo al inminente apocalipsis mostrado en pantalla. Este cambio no ha impedido que la adaptación conmemore el año en curso que marca el 15° aniversario de su estreno y el inició de un exitoso recorrido que la convirtió en una de las mejores representantes del sci-fi en lo que va del siglo XXI. Un reconocimiento nada sencillo ante la calidad que ha marcado al género en los últimos años y que es producto de una historia plagada de importantes reflexiones en torno a la naturaleza humana y el futuro de nuestra especie en una sociedad cada vez más dividida. Mención especial para dos de los planos secuencias más representativos en la obra del mexicano y que lo afianzaron entre los grandes especialistas de la técnica. Representó la segunda nominación al Oscar para Cuarón luego de Y tu mamá también y como tal, la consolidación del que terminaría convirtiéndose en uno de los grandes cineastas de su tiempo.

Babel (Dir. Alejandro González Iñárritu)

Los infiltrados (Dir. Martin Scorsese)

Casino Royale (Dir. Martin Campbell)

300 Dir. Zack Snyder

20° aniversario (2001)

Harry Potter y la Piedra filosofal (Dir. Chris Columbus)

Han pasado 20 años de que ‘el niño que vivió’ creado por JK Rowling saltara a la pantalla grande con enorme éxito para comenzar una de las franquicias cinematográficas más importantes de todos los tiempos. Sus buenos resultados en taquilla –fue la película más taquillera de 2001 con una recaudación global de $974.8 mdd– auguró un buen paso por el celuloide, pero no nos preparó para el fenómeno venidero y que continúa hasta nuestros días. Y es que, tal y como sucede con todas las grandes historias, el tiempo no ha mermado la popularidad del joven mago, sino que ha extendido su legado entre cada vez más generaciones de aficionados que siguen soñando con una nueva aventura mágica a cargo de Harry, Ron y Hermione. La tercia estelar ha reiterado que las posibilidades de regresar son escasas, pero las puertas siguen abiertas con la potencial adaptación de El legado maldito que trasladó la fantasía a los escenarios. De momento, las miradas están puestas en la tercera entrega de Animales fantásticos que ha batallado por estar a la altura de las expectativas y que intentará estar a la altura del Wizarding World con el sonado recast de Gellert Grindelwald.

El Señor de los Anillos: La comunidad del anillo (Dir. Peter Jackson)

La obra cumbre de JRR Tolkien parecía inadaptable, hasta que Peter Jackson se colocó al frente de la que terminaría siendo una de las mayores gestas en toda la historia del cine. Más de doce meses de rodaje, centenares de extras debidamente caracterizados y locaciones en la remota Nueva Zelanda que se convertiría en un eterno referente de la Tierra Media. Aun así, la gesta sólo empezó a tomar forma con La comunidad del anillo, que introdujo una alianza tan heroica como improbable que partiría rumbo a las profundidades de Mordor para la destrucción del Anillo Único. Y en medio del conflicto, un simple hobbit cuya inocencia le permitió cargar el objeto hasta el final. Fue la segunda película más taquillera del 2001 por detrás de Harry Potter y la piedra filosofal, en un año que marcó el regreso del cine fantástico a lo más alto. Fue nominada a 13 Premios de la Academia incluyendo Mejor película, pero tuvo que conformarse con cuatro estatuillas técnicas. Poco importó, pues dos años y dos películas después, alcanzó la máxima gloria hollywoodense con once galardones que la convirtieron en la mayor ganadora del certamen junto con Ben–Hur (1959) y Titanic (1997).

El viaje de Chihiro (Dir. Hayao Miyazaki)

La animación tradicional parecía agonizar al inicio del siglo XXI, con los principales estudios dejando atrás la técnica en beneficio del CGI. Fue entonces cuando Studio Ghibli levantó la mano para convertirse en el principal foco de resistencia del arte convencional con El viaje de Chihiro, que dirigida por el legendario Hayao Miyazaki, relató las desventuras de la joven titular al interior de un mundo fantástico y sus esfuerzos por salvar a sus padres de la condena impuesta por una temible bruja. Su éxito contribuyó de manera importante a potenciar la popularidad del animé por todo el mundo y le convirtió en el título más icónico del estudio junto con el inolvidable Totoro. Ganó el Oscar animado por encima de titanes como Disney, Dreamworks y Blue Sky, lo que dio esperanzas al futuro de la técnica, aun cuando a veinte años de distancia sigue siendo la única animación tradicional en ser condecorada con la estatuilla.

Mullholland Dr. (Dir. David Lynch)

Y tu mamá también (Dir. Alfonso Cuarón)

Moulin Rouge (Dir. Baz Luhrmann)

Los excéntricos Tenenbaums (Dir. Wes Anderson)

Amélie (Dir. Jean-Pierre Jeunet)

El espinazo del diablo (Dir. Guillermo del Toro)

Donnie Darko (Dir. Richard Kelly)

Rápido y furioso (Dir. Rob Cohen)

Shrek (Dir. Andrew Adamson & Vicky Jenson)

Monsters Inc (Dir. Pete Doctor & David Silverman)

25° aniversario (1996)

Trainspotting (Dir. Danny Boyle)

Danny Boyle debutó en el cine en 1994 con Tumba al ras de la tierra, pero su popularización entre las audiencias no llegó sino hasta dos años después con Trainspotting, también conocida en México como La vida en el abismo. Una brillante adaptación a la novela homónima de Irvine Welsh que sigue los esfuerzos de un joven escoces por dejar las drogas, a pesar de los obstáculos impuestos por su propia adicción y por su grupo de amigos. Sobresalió por su mezcla de crudeza y humanidad, salpicado además por tintes de humor y engalanado por una estética visual tan fascinante como hipnótica, convirtiéndose inmediatamente en objeto de culto y en una de las películas que mejor ha capturado la esencia de su época. También catapultó la carrera de Ewan McGregor, quien tres años después se consolidaría entre los actores más populares y polifacéticos de su generación con su interpretación de Obi-Wan Kenobi en las precuelas de Star Wars. Estas buenas sensaciones no fueron de mucha ayuda para la secuela estrenada 21 años después y que para muchos, fue incapaz de rescatar las sensaciones transmitidas por la cinta original.

Fargo (Joel & Ethan Coen)

Jerry Maguire: Amor y desafío (Dir. Cameron Crowe)

Misión: Imposible (Dir. Brian de Palma)

Scream (Dir. Wes Craven)

30° aniversario (1991)

Terminator 2: El juicio final (Dir. James Cameron)

James Cameron concibió uno de los más espectaculares apocalipsis tecnológicos del cine con Terminator (1984), en el que una máquina del futuro debe viajar al pasado para terminar con la madre del que se convertirá en el líder de la resistencia humana. Un clásico en toda la extensión de la palabra, aunque para algunos superado por su secuela, que muestra al mismo modelo como el protector del futuro héroe ante una amenaza superior. Sobresalió por sus efectos visuales, sus frases icónicas –“Hasta la vista, baby”– y las estupendas interpretaciones de su tercia estelar, pero sobre todo por su aprovechamiento de la acción y la ciencia ficción para arrojar una serie de importantes reflexiones sobre la naturaleza de nuestra especie, así como de la posible humanidad de las máquinas. A 30 años de distancia sigue siendo recordada como el último gran logro de una gran franquicia que, a pesar de su potencial y popularidad, empezaría a venirse abajo a los pocos años tras el estreno de su tercera entrega.

La bella y la bestia (Dir. Gary Trousdale & Kirk Wise)

Walt Disney Animation Studios seguía siendo la punta de lanza de la animación y aun así la historia parecía indicar que sus mejores años habían quedado muy atrás. La sirenita (1989) y Bernardo y Bianca en Cangurolandia (1990) dieron buenos augurios de un resurgimiento, pero este sólo pudo sellarse con el estreno de La bella y la bestia. La fábula ancestral sobre una joven que se adentra en un palacio encantado y que terminará enamorándose de la noble criatura que ahí habita. Su historia, en combinación con sus estupendas actuaciones de voz, su técnica de primer nivel y su increíble música le convirtió en la primera cinta animada en competir por el Oscar a Mejor película y la única por 18 años hasta que Up (2009) igualó la hazaña, pero con la diferencia de que su terna estuvo integrada por diez contendientes. Marcó junto con El rey león (1994) uno de los puntos más altos del llamado Renacimiento del estudio, considerada por muchos como una segunda era dorada ante la enorme calidad técnica y narrativa de sus proyectos. Su éxito le llevó a ser reinventada por la reciente ola de live-actions, el cual tuvo una buena recepción, pero fue incapaz de igualar lo hecho por la que bien merece ser considerada una de las mejores cintas animadas de todos los tiempos.

El silencio de los inocentes (Dir. Jonathan Demme)

Cabo de miedo (Martin Scorsese)

Thelma & Louis (Dir. Ridley Scott)

JFK (Dir. Oliver Stone)

Solo con tu pareja (Dir. Alfonso Cuarón)

35° aniversario (1986)

Top Gun (Dir. Tony Scott)

El cine siempre ha sido un fiel reflejo del imaginario social. Tal es el caso de las películas ochenteras que plasmaron las sensaciones de optimismo e invencibilidad que predominaban en occidente y muy especialmente en la unión americana. Esta es la razón por la que Top Gun, a pesar de las críticas encontradas que marcaron su estreno, se convirtió en todo un referente de la década. Una auténtica fantasía para las juventudes de la época que, al estar privadas de grandes guerras, se permitían soñar con vidas marcadas por el peligro y las más puras nociones de heroísmo entre los grandes pilotos estadounidenses. Una auténtica reinvención del sueño americano cuya fusión de acción y romanticismo resultó vital para la consolidación de Tom Cruise entre los actores más populares de su generación, un estatus que sigue conservando a 35 años de distancia. Su aniversario será engalanado por el estreno de Top Gun: Maverick, secuela agendada para el 2020 pero postergada un año a causa de la pandemia.

La mosca (Dir. David Cronenberg)

Son pocos los remakes que pueden presumir el haber superado al filme original, siendo La mosca uno de ellos. Buena parte del crédito es para David Cronenberg, cuyo estilo narrativo y visual fue determinante para trasladar la historia al contexto de la época, con un científico cuya obsesión por la teletransportación desemboca en una inesperada fusión con el insecto titular. A esto sumemos la estupenda interpretación de Jeff Goldblum como Seth Brundle, quien apoyado por la estupenda caracterización de Chris Walas y Stephan Dupuis, resultó en uno de los monstruos más complejos en la cinematografía mundial. No sólo en apariencia, sino en sus bases emocionales, con un Bunderfly cuya conversión permitió una profunda exploración de los errores y virtudes de la naturaleza humana.

Pelotón (Dir. Oliver Stone)

Terciopelo azul (Dir. David Lynch)

El nombre de la rosa (Dir. Jean Jacques-Annaud)

Aliens (Dir. James Cameron)

Laberinto (Dir. Jim Henson)

40° aniversario (1981)

Los cazadores del arca perdida (Dir. Steven Spielberg)

Se cumplen 40 años del debut de Indiana Jones, el arqueólogo más importante del celuloide, el segundo mayor héroe del cine hollywoodense según el American Film Institute y cuyas búsquedas consolidaron a Harrison Ford tras su destacada interpretación de Han Solo en Star Wars (1977). Fue también el proyecto que afianzó a George Lucas y Steven Spielberg entre los grandes creativos de su generación y con el talento necesario para hacer soñar a millones de aficionados con mundos de increíbles aventuras ocultas tras el Arca de la Alianza. Un objeto cuyo poder ancestral puede definir el rumbo de la guerra, que a nivel narrativo se convirtió en el MacGuffin por excelencia y cuyos misterios requirieron sofisticados efectos visuales que siguen sorprendiendo hasta nuestros días. Todo esto engalanado por una de las bandas sonoras más icónicas en toda la obra de John Williams. Un aniversario dominado por la expectativa y la nostalgia ante el inicio de filmaciones de una quinta y última película, pero también de incertidumbre ante el nerviosismo de un posible recast para un reboot vía cine o serie. 

El despertar del diablo (Dir. Sam Raimi)

Un hombre lobo americano en Londres (Dir. John Landis)

Das Boot (Dir. Wolfgang Petersen)

45° aniversario (1976)

Todos los hombres del presidente (Dir. Alan J. Pakula)

El periodismo vive uno de los momentos más sensibles de su historia y aun así, sigue siendo una de las mayores esperanzas contra la desinformación en un año especialmente sensible tras las secuelas de la pandemia, la era Trump y el Brexit. Quizá por ello el destino quiso que este 2021 coincidiera con el 45° aniversario de Todos los hombres del presidente, la película periodística por excelencia que reconstruyó la investigación de The Washington Post con la que Carl Bernstein y Bob Woodward detonaron el escándalo de Watergate que terminó con la presidencia de Richard Nixon. Sorpresivamente no ganó el Oscar a Mejor película, pero aun así se convirtió en la obra maestra de Alan J. Pakula, en un brillante desenlace para su trilogía de la paranoia iniciada con Klute (1971) y seguida con Complot Parallax (1974) y en un título fundamental para las respectivas carreras de Robert Redford y Dustin Hoffman.

Taxi Driver (Dir. Martin Scorsese)

La obra de Martin Scorsese siempre ha estado tan vinculada con la mafia italiana, que a veces resulta sencillo olvidar que el cineasta también es un especialista en la captura del inframundo criminal que aqueja a las grandes urbes. Ninguna cinta ejemplifica mejor esta cualidad que Taxi Driver, con Robert De Niro encarnando con destreza a un veterano cuyo trabajo de taxista nocturno le permite contemplar la decadencia que ahoga a la ciudad de Nueva York, hasta obsesionarle con una campaña política y una joven prostituta a la que desea liberar de su profesión. Tuvo un triste paso por la temporada de premios al tener que conformarse con cuatro nominaciones al Oscar, pero su calidad y cuestionamientos morales le convirtieron en una obra cumbre de la cinematografía mundial. Tanto así que hoy día sigue siendo una clara fuente de inspiración para numerosos proyectos, siendo Joker (2019) uno de los más recientes.

Rocky (Dir. John J. Avildsen)

Mucho se ha dicho sobre si Rocky fue la justa ganadora del Oscar a Mejor película en una terna que incluyó títulos como Network, Taxi Driver y Todos los hombres del presidente. Y a pesar de los continuos cuestionamientos, la que es considerada la cinta pugilista por excelencia ha logrado mantenerse en pie gracias a su esperanzadora visión del sueño americano en una década de los 70 dominada por el desencanto. Un hombre condenado al fracaso que se cruza, casi accidentalmente, con la oportunidad de su vida y que decide aprovechar sus pocos recursos –desde la carne como punching bag hasta la escalera de la Biblioteca de Filadelfia– para enfrentarse al campeón como prueba de vida. Disparó la carrera de Sylvester Stallone hasta lo más alto e inició una franquicia que sigue creciendo hasta nuestros días con Creed.

Network (Dir. Sidney Lumet)

Carrie (Dir. Brian de Palma)

La profecía (Dir. Richard Donner)

50° aniversario (1971)

La naranja mecánica (Dir. Stanley Kubrick)

Podría pensarse que Stanley Kubrick fue acreditado como maestro del sci-fi sólo por 2001: Odisea del espacio (1968), cuando lo cierto es que La naranja mecánica también contribuyó de manera importante para ello. La adaptación de la novela homónima escrita por Anthony Burgess se desarrolla en una Bretaña futurista donde las autoridades han desarrollado un método para condicionar a los criminales en contra de la violencia que aqueja en las calles. Esto resulta en una obra visualmente agresiva y emocionalmente hostil, en que el sádico Alex interpretado por Malcolm McDowell pasa de ser un agresor social a la víctima de un sistema que queda indefenso contra los más profundos deseos de venganza que caracterizan al ser humano.

Harry el sucio (Dir. Don Siegel)

Contacto en Francia (Dir. William Friedkin)

THX 1138 (Dir. George Lucas)

55° aniversario (1966)

¿Quién teme a Virginia Woolf? (Dir. Mike Nichols)

Elizabeth Taylor y Richard Burton, una de las mejores y más polémicas duplas histriónicas de todos los tiempos, protagonizaron once películas entre las que destacan Cleopatra (1963) y La fierecilla domada (1967). Pero fue un joven y primerizo Mike Nichols quien mejor aprovechó sus respectivas cualidades para una ópera prima de ensueño y uno de los grandes duelos actorales vistos en pantalla grande: ¿Quién teme a Virginia Woolf? Adaptación de la puesta en escena homónima escrita por Ernest Lehman y versa alrededor de una pareja madura que recurre a la noche, el alcohol y la compañía de dos invitados más jóvenes para liberar una serie de frustraciones matrimoniales acumuladas por los años. El doloroso reflejo de un distorsionado sueño americano fue galardonado con cinco Premios de la Academia, destacando Mejor actriz para Taylor. Fue el segundo y el último de toda su carrera, destacando además que sigue siendo una de las estatuillas más aplaudidas por la que es celebrada como una de las mejores actuaciones de la historia.

El bueno, el malo y el feo (Dir. Sergio Leone)

La popularidad del western en Europa hizo que distintos países de la región adaptaran su simbología conforme a sus respectivas visiones de la frontera americana. Ninguna tan popular como el spaghetti western, creado en Italia y con Sergio Leone como su mayor exponente tras su trilogía del dólar que cerró brillantemente con El bueno, el malo y el feo. La historia de tres pistoleros en busca de una fortuna oculta en plena Guerra Civil, un contexto que el cineasta aprovechó para enaltecer las tensiones de un país en franca formación y la violencia implícita del sueño americano. Fue la tercera colaboración entre Leone y Clint Eastwood, y la consolidación de este último en el papel del llamado Hombre sin nombre inmortalizado por su silencio, su sombrero y su inconfundible poncho. Todo esto enriquecido por la memorable banda sonora a cargo de Ennio Morricone y que resultó clave para convertir el oeste á la italiana en una verdadera épica cinematográfica.

Persona (Dir. Ingmar Bergman)

Fahrenheit 451 (Dir. François Truffaut)

60° aniversario (1961)

Desayuno con diamantes (Dir. Blake Edwards)

La adaptación de la novela homónima de Truman Capote ha sido señalada por ser poco respetuosa con el personaje de Holly Golightly, pero los debates han pasado a segundo término ante el que es considerado el rol definitivo en la carrera de Audrey Hepburn. Buena parte de su éxito se debe al estupendo trabajo de la carismática actriz en el rol de una mujer obsesionada con dejar su modesto pasado atrás para incorporarse a las altas esferas neoyorquinas y ansiosa por contraer nupcias con algún hombre adinerado que le permita vivir tranquilamente. Y encima de todas sus ensoñaciones está Tiffany’s, cuyo escaparate contempla diariamente imaginando el día en que podrá hacerse con algún producto de la famosa joyería. Sus planes se vienen abajo cuando empieza a interesarse por un joven escritor recién llegado al edificio en el que vive. La novela es dominada por las formas más puras del materialismo y el cinismo, pero su salto cinematográfico le hizo evolucionar para convertirse en uno romances más enternecedores de todos los tiempos y en una obra clave en la cultura pop.

West Side Story (Dir. Jerome Robbins & Robert Wise)

Existen numerosas adaptaciones de Romeo y Julieta, pero pocas tan singulares como West Side Story que trasladó el romance imposible a un conflicto entre pandillas rivales de las calles de Nueva York. Su éxito en Broadway no tardó en llevarle al cine, donde se convirtió en uno de los musicales más aclamados del celuloide. Ganó diez Premios de la Academia –incluyendo Mejor película– de once nominaciones posibles, quedando a una estatuilla de figurar entre los títulos más galardonados en toda la historia del certamen. Su prestigio hizo que Steven Spielberg la eligiera para su largamente anhelado salto al género musical, en un remake programado para 2020 pero postergado un año por la pandemia y que parece destinado a cerrar con broche de oro los festejos por el 60° aniversario del clásico original.

Yojimbo (Dir. Akira Kurosawa)

Los inadaptados (Dir. John Huston)

65° aniversario (1956)

Centauros del desierto (Dir. John Ford)

John Ford construyó una de las filmografías más poderosas en toda la historia del cine, siendo Centauros del desierto su gran obra maestra. Uno de los mayores exponentes del western revisionista que cambió para siempre la simbología del género y con ello, su valor psicológico dentro del imaginario colectivo estadounidense. Todo esto con la brillante adaptación a la obra de Alan Le May, sobre un veterano de la Guerra Civil que debe partir en una nueva misión cuando su familia es masacrada y su sobrina secuestrada por los nativos de la región. Pero su heroica travesía termina distorsionándose hasta demostrar su verdadero rostro y con ello, el de toda la unión. Un país asentado sobre el desprecio, el odio y la intolerancia. Un mensaje que se potencia gracias a la presencia estelar de John Wayne, el cowboy por excelencia alterado en sus bases para plasmar el lado más oscuro del sueño americano. Una épica trágica que sigue influyendo hasta nuestros días y que ocupa una posición de honor entre los grandes clásicos de todos los tiempos.

La vuelta al mundo en 80 días (Dir. Michael Anderson)

Los diez mandamientos (Dir. Cecil B. de Mille)

Muertos vivientes (Dir. Don Siegel)

70° aniversario (1951)

Un tranvía llamado deseo (Dir. Elia Kazan)

Tennessee Williams figura entre los tres grandes dramaturgos estadounidenses del siglo XX al lado de Eugene O’Neill y Arthur Miller, siendo Un tranvía llamado deseo uno de sus trabajos más aclamados. Un drama sobre una mujer perturbada cuya situación financiera le obliga a mudarse a un modesto apartamento de Nueva Orleans, donde su hermana la recibe de la mejor manera, pero no así la cruenta pareja de esta última, lo que desemboca una tragedia familiar e intimista que refleja las complicaciones más profundas de las relaciones humanas. La obra teatral fue galardonada con el Pulitzer, mientras que la adaptación cinematográfica brillantemente dirigida por Elia Kazan recibió cuatro Premios de la Academia. Tres de ellos para su talentosa tercia estelar Vivien Leigh, Kim Hunter y Marlon Brando, destacando que este último ya había interpretado al cruento Stanley Kowalski en la puesta en escena original. A 70 años de distancia, miembros de la crítica y de la industria le siguen considerando un filme que deambula muy cerca de la perfección absoluta.

Sinfonía de París (Dir. Vincente Minnelli)

La reina de Africa (Dir. John Huston)

El día que la Tierra se detuvo (Dir. Robert Wise)

75° aniversario (1946)

Canción del sur (Dir. Harve Foster & Wilfred Jackson)

Disney ha realizado un gran esfuerzo por borrar de su historia a Canción del sur, pero difícilmente podrá impedir que la controvertida cinta sea tema de conversación en el 75° aniversario de su estreno. La que debía ser una simple adaptación de los cuentos del tío Remus escritos por Joel Chandler Harris resultó en una de las películas más señaladas de la historia por sus presuntos estereotipos y su reflejo de una unión americana que parecía incapaz de superar el racismo sureño. Esto hizo que su narrativa y sus personajes –tanto live-action como animados– se convirtieran en un tema tabú para el ratón, que nunca ha liberado el filme en ningún formato casero en un esfuerzo desesperado por evitar nuevos debates. Parece improbable que esta situación cambie en el año que presuntamente marcará la estocada final a los Hermanos Blas, Zorro y Rabito ante la retirada de la Splash Mountain de los parques temáticos Disney de los Estados Unidos, pero aun así hay quienes sueñan con que el estudio aproveche para liberar el filme en Disney Plus como lo que es: un homenaje a la tradición oral afroamericana y el reflejo de una época turbulenta cuyos errores deben darse a conocer para evitar que estos puedan repetirse en el futuro.

Enamorada (Dir. Emilio Fernández)

A nadie sorprende que la primera colaboración de Emilio «El Indio» Fernández con María Félix, dos de los grandes exponentes de la Época de Oro del cine mexicano, se convirtiera en una de las películas más emblemáticas de la filmografía nacional. La actriz encarnó a una joven poblana que se muestra indiferente ante el interés de un militar interpretado por Pedro Armendáriz, lo que marca el inicio de un intenso romance en plena Revolución. Ganó ocho Arieles, incluyendo el primero en la carrera de «la Doña». También tuvo un buen paso por Cannes, donde fue nominada a la Palma de Oro en 1947, misma en la que Gabriel Figueroa recibió un galardón por su labor y que le afianzó entre los grandes cinefotógrafos de todos los tiempos. El reconocimiento de la cinta continuó con el paso del tiempo, recordando el reestreno de su versión restaurada en la edición de 2018, en un evento presentado por Martin Scorsese.

Tuyo es mi corazón (Dir. Alfred Hitchcock)

La exploración de la II Guerra Mundial nunca se ha limitado al campo de batalla, sino que se ha extendido por las distintas secuelas del conflicto. Uno de los casos más destacados es Tuyo es mi corazón, conocida también bajo el título original de Notorious, sobre una misión secreta que pretende capturar a un grupo de nazis oculto en Sudamérica. Un título clave en la historia del cine al representar el salto a la madurez de Alfred Hitchcock, quien fusionó brillantemente drama, espionaje y romance para dar una de las películas más complejas de toda su carrera. Su labor se vio complementada por el apoyo de una talentosa tercia estelar integrada por Cary Grant, Ingrid Bergman y Claude Rains. La cinta también trascendió por su mítico beso con el que el cineasta británico desafió abiertamente a la censura de la época. Ésta no permitía que el contacto entre labios durara más de unos segundos, por lo que el realizador se decantó por una serie de pequeños ósculos para reflejar las tensiones que aquejaban a sus personajes.

Qué bello es vivir (Dir. Frank Capra)

Gilda (Dir. Charles Vidor)

80° aniversario (1941)

Ciudadano Kane (Dir. Orson Welles)

Ochenta años de Ciudadano Kane. Una de las óperas primas más ambiciosas de la historia y considerada por muchos como la mejor película de todos los tiempos. Estos calificativos no han sido de gran ayuda para mejorar su relación con el público y la crítica, que nunca han terminado de abrazarla del todo ante la intensidad de su narrativa que relata el ascenso de un emporio noticioso a cargo del personaje titular. A pesar de las adversidades que siempre le han rodeado, su 80° aniversario parece llegar en buen momento. Esto porque el reciente estreno de la no menos controvertida Mank (2019) que abordó los orígenes de su guion hizo que muchos se acercaran a ella, ya fuera por primera vez o en revisionados. Aún es pronto para decir si esto garantizará la comunión definitiva con las audiencias, pero no para reiterar que la obra cumbre de Orson Welles es un clásico en toda la extensión de la palabra.

Qué verde era mi valle (Dir. John Ford)

El halcón maltes (Dir John Huston)

El hombre lobo (Dir. George Waggner)

85° aniversario (1936)

Tiempos modernos (Dir. Charles Chaplin)

Flash Gordon (Dir. Frederick Stephani)

90° aniversario (1931)

Frankenstein (Dir. James Whale) & Drácula (Dir. Tod Browning)

Se cumplen nueve décadas de un año clave para el cine de terror tras el estreno de dos títulos fundamentales en la franquicia de Universal Monsters. Puede que Frankenstein no sea la adaptación más fiel a la novela de Mary Shelley, pero trascendió gracias a la exquisita labor realizadora de James Whale y la brillante interpretación de Boris Karloff, quienes concibieron la caída de una criatura inocente en un mundo hostil. Escandalizó al público de su época por sus alusiones religiosas y la secuencia que involucra una muerte infantil, mientras que hoy día sigue siendo objeto de análisis, interpretaciones y fascinación. La adaptación a la obra de Bran Stoker se distancia del material fuente hacia el tercer acto, pero garantizó su paso a la historia gracias a la escalofriante dirección de Tod Browning y la elegante actuación de Bela Lugosi, cuya labor conjunta consolidó para siempre la imagen del vampiro en el imaginario colectivo. No sólo por su icónico atuendo, sino por la sensualidad propia de una criatura que representó un desafío directo a la censura de la época. Dos hijos de la noche que figuran entre los puntos más altos del género, que han sido inspiración para incontables cineastas a través del tiempo y que han despertado incontables pesadillas por generaciones.

Luces de la ciudad (Dir. Charles Chaplin)

M el Maldito (Dir. Fritz Lang)

Tabú (Dir. FW Murnau)

95° aniversario (1926)

Fausto (Dir. FW Murnau)

100° aniversario (1921)

El chico (Dir. Charles Chaplin)

Un título decisivo en la carrera de Charles Chaplin, que representó el debut realizador del británico y la consolidación absoluta de su mítico Charlot. A diferencia de otros exponentes del cine silente que han perdido potencia con el paso del tiempo, El chico sigue gozando de una enorme popularidad entre el público de todas las edades e incluso se le considera una de las mejores alternativas para acercar a los más pequeños a los primeros clásicos del celuloide. Su éxito se debe al carisma y talento que siempre caracterizaron a su protagonista, pero también a la emotiva historia de un hombre que termina formando un estrecho lazo con un niño abandonado. Una película fundamental en la historia del cine.

The Phantom Carriage (Dir. Victor Sjöström)

105° Aniversario (1916)

Intolerancia (Dir. DW Griffith)

125° aniversario (1896)

La llegada de un tren a la estación de La Ciotat (Dir. Auguste & Louis Lumiere)

El cine nació en 1895 con la proyección de La Sortie des ouvriers de l’usine Lumière, pero sus posibilidades siguieron avanzando al año siguiente con uno de los cortometrajes más representativos en la obra de los hermanos Lumière. Mucho se ha hablado sobre las reacciones provocadas por La llegada de un tren a la estación de La Ciotat y cómo las audiencias corrían despavoridas para alejarse de la pantalla que mostraba al vehículo en movimiento. Una imagen de leyenda, que si bien ha sido rebatida por quienes la consideran una simple artimaña publicitaria de la época, demuestra el poder inmersivo del cine desde sus primeros años y que le ha acompañado a lo largo de toda su existencia.

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Luis Miguel Cruz Algún día me uniré a los X-Men, la Alianza Rebelde o la Guardia de la Noche. Orgulloso integrante de Cine PREMIERE desde el 2008.