«El Spiderverse marcó un antes y un después en la animación»: Cruz Antonio Contreras
El animador mexicano vuelve a darle vida al universo de Miles Morales en Spider-Man: Across the Spiderverse, que estrenará en junio de 2023.
En esta entrevista colaborativa, realizada por alumnos de la carrera de Comunicación de la Universidad Panamericana, el animador mexicano Cruz Antonio Contreras reflexiona sobre los caminos que le llevaron a Hollywood, las transformaciones que ha experimentado la animación en los últimos años y la creciente conquista del «Spiderverse look».
La animación se encarga de dar vida a universos enteros desde cero, mundos habitados por personajes peculiares que tienen el poder tanto de atraparnos como de conmovernos. Pero esta magia no puede ocurrir sin la creatividad de quienes se encuentran detrás. ¿Te has preguntado qué inspira a un animador?
En Cine PREMIERE tuvimos la oportunidad de platicar con Cruz Antonio Contreras, el animador mexicano originario de Iguala, Guerrero, que está conquistando a las a audiencias de todas las edades a través de su arte.
A sus 32 años, los proyectos en los que ha participado se han convertido en un referente para los artistas visuales a nivel internacional. Tal es el caso de Monstruo del mar, la película animada más vista en Netflix, o la ganadora del Óscar, Spider-Man: Un nuevo universo. Cruz reside actualmente en Canadá y se desempeña en Sony Pictures como artista CFX, un área dedicada a perfeccionar la ropa y el cabello de los personajes, elementos claves para lograr su adecuada caracterización y animación.
En entrevista, el animador nos remonta a su infancia y comparte qué se siente sumergirse en aquellos mundos que desde niño admiraba y que hoy ha ayudado a revolucionar.
Mariana Zamudio: ¿Recuerdas el momento clave en el que supiste que la animación era para ti y en el que te asumiste como animador y artista?
Cruz Antonio: A mí siempre me han gustado las películas animadas. Cuando yo era niño, pensaba que todas las películas animadas eran con dibujitos. Un día fui al cine con mis tíos, ya tenía como nueve años, a ver Harry Potter y la piedra filosofal, que era una película con efectos visuales orientada para niños. Eso yo nunca lo había visto. No sabía cómo se hacía esa magia, por mi cabeza no pasaba que se hacía por computadora. Ahora los niños ya lo saben. Antes no era tan obvio.
Pues yo me la creí y dije: “Esto se puede hacer en algún lugar, en algún lugar del mundo hay magia”. Ya con el paso de los años empecé a investigar cómo se hacían estas cosas. Vi que eran efectos visuales, me llamó muchísimo la atención y es por eso que hago lo que hago.
Joshua Sigler: ¿Qué series o películas animadas veías de niño que te inspiraron a ser lo que eres?
CA: Yo me la pasaba viendo Cartoon Network y Nickelodeon en ese entonces. Me aventaba Oye, Arnold, Bob Esponja, Rocket Power, Los Castores Cascarrabias, los que antes se llamaban Nicktoons, me gustaban muchísimo. Me gustaba todo lo de Hanna-Barbera, hasta Scooby Doo.
Yo no era tanto de películas porque crecí en una ciudad donde no había cine. Ir al cine era toda una experiencia. Nos teníamos que reunir todos los primos y todos los tíos y nos llevaban a otra ciudad para poder ir al cine.
Regina Hernández: ¿Qué has encontrado en la animación que en el live action no?
CA: Esta pregunta me encanta. Por algunos años yo estuve haciendo live action y en un inicio eso me llenaba porque me encantaba saber que estaba trabajando en una película con, no sé, Superman o en la Liga de la Justicia. Hasta que una vez en una revisión entregué lo que yo pensé era una simulación de ropa muy padre y uno de los directores me dijo: no, es que esta simulación se nota mucho, necesitamos hacer que no se vea. Y como que eso me dolió, ¿sabes?, porque dije, la simulación está padrísima y me estás pidiendo que no se vea. ¿Por qué? Porque llama mucho la atención. La gente que está viendo la película se enfocaría más en la ropa que en el personaje o en otra cosa. Y yo creo que esa es la razón por la que yo hago animación, porque en el live action yo escondo mi trabajo para que la gente no lo vea y pase desapercibido, mientras que en animación lo que hago es lo que está en pantalla. Es muy común escuchar, por ejemplo: qué bonito pelo tiene Elsa o qué bonita ropa tiene Ana. Pero eso no lo dicen en las películas live action. Y a mí me gusta enseñar lo que hago, así que….
Fernanda Ximena Conde: ¿Cuáles son los mayores desafíos a los que te has enfrentado en tu carrera y qué personaje te ha marcado más?
CA: En un inicio yo creo que fue el idioma. Tener que cambiar mi conocimiento de seis años de la experiencia que ya tenía acá, llegar [a Canadá] y hacerlo todo en inglés. Fue difícil. Ahora, yo creo que al inicio de cada proyecto, al inicio de cada película, siempre tienes esa sensación de dolor de estómago, de decir: “¿Qué tan difícil va estar? ¿Podré terminar? ¿Qué es lo que quieren?” Y ya después, cuando estás encaminado, ese sentimiento va desapareciendo un poquito.
¿Y qué personaje me gusta más o ha marcado más mi carrera? Yo creo que todos. Yo creo que se vuelven parte de tu familia. Es una tontería, pero yo sí lo veo así, porque son personajes que ves todos los días. Todos los días te despiertas, estás con ellos. Los ves por uno o dos años todos los días. Y hasta se siente feo cuando cierras esa última escena de esa última toma y sabes que ya no lo vas a volver a ver, quién sabe en cuántos años o tal vez jamás. Se siente raro. Son como tus amigos.
Hareth Peraza: Se ha hecho mucho énfasis en el hecho de que la animación no es un género, sino un medio para contar todo tipo de historias, no solo infantiles. ¿Qué crees que se necesita para que empecemos a verla y experimentarla más como un lenguaje, y no necesariamente como un género específico?
CA: Yo creo que [necesitamos que] se empiecen a contar más historias. Siento que todavía la gente le tiene mucho miedo a invertirle a la animación para adultos, porque puede no ser tan redituable como la animación para niños.
Siento que las películas en las que estamos trabajando ahorita son para todo el público. Spider-Verse, por ejemplo, es una película que puede disfrutar cualquier persona de cualquier edad, incluso. Este año también terminamos Monstruo del mar, que está en Netflix. Igual es una película que puede ser disfrutada por cualquier persona.
Pero en los Óscar los presentadores decían que las películas animadas son aquellas que los niños disfrutan y los papás tenemos que aguantar. Y en esa categoría estaba nominada una película que habla sobre una persona que está enferma de SIDA y que tiene que huir de su país [Flee: Huyendo de casa]. Hay muchísimas historias que están siendo contadas, entonces, faltarle el respeto así a la animación… la verdad me dolió. Yo andaba bien iracundo en ese momento, a punto de golpear la tele (ríe). Pero sí, yo creo que lo que hace falta es contar buenas historias.
Hareth Peraza: En México existe una escuela fuerte de animadores, especialmente en stop-motion, cuyas historias desafían etiquetas y son de hecho bastante surreales y oscuras. ¿Qué crees que la animación de acá pueda aportar a esa conversación?
CA: Eso es algo que me gusta mucho de la animación mexicana, que no tenemos límites. Siento que la animación que se hace por acá, la animación hollywoodense, vive bajo un una esfera, bajo una burbuja, en donde te dicen: “No te vayas para allá porque no va a vender” o “no para acá porque a los niños no les va a gustar”. Y siento que en México no existe esa burbuja y se hace lo que sea. Y hay artistas que se arriesgan muchísimo para contar historias, que se arriesgan en técnicas a la hora de hacerlo. Siento que el talento mexicano no tiene límites. El problema es que acá no hay recursos para apoyar esas historias.
Viviana Aguilar: Has hablado antes de cómo, en tu opinión, existen muchas más historias de México para contar, más allá del Día de Muertos. ¿Qué historias te gustaría abordar a ti por medio de la animación?
CA: Algo que tenemos en México y que no tienen en todos lados es la temporada de las posadas. Se me hace algo tan lindo y para mí es uno de los momentos más bonitos que tuve cuando crecía. Independientemente de toda la cuestión religiosa, yo hablo más de la convivencia de la gente en las calles, de que cierras una calle y estás conviviendo con tus vecinos. Eso no pasa acá. O sea, eso es extraño, súper raro. Y cuando lo cuentas por acá la gente se saca de onda. Les resulta súper, súper extraño. Yo acá no sé ni quiénes son mis vecinos, mientras que cuando yo crecía era muy común conocerlos y haber jugado con los niños de la calle.
Diego Westrup: Hoy, si un mexicano triunfa dentro de la industria, se considera un éxito que compartimos todos. ¿Sientes que cargas una responsabilidad, al llevar la bandera mexicana en proyectos tan importantes como Monstruo del mar o Spiderverse?
CA: Yo creo que sí. Yo estoy dando todo de mí. Todo el corazón y todo mi trabajo para que la película salga lo mejor posible. En Across the Spiderverse ahorita, en mi departamento, somos tres mexicanos y dos mexicoamericanos. Los cinco somos muy unidos. Me ha tocado escuchar eso de que el peor enemigo de un mexicano es otro mexicano. Pero curiosamente eso no pasa en el mundo de la animación. Todos los mexicanos que yo he conocido acá te ayudan, siempre te echan la mano y siempre te dan un consejo. Entre nosotros nos ayudamos muchísimo. Somos muy unidos.
Mira aquí la entrevista con Cruz Antonio Contreras sobre Monstruo del mar
Saúl Ramírez: Cualquier artista quiere tener un impacto en las personas que lo ven. Como animador, ¿qué es lo que buscas generar en los espectadores?
Algo que me ha gustado mucho y que he buscado en los proyectos en los que trabajo es ese sentido de inclusión. Desde que empecé a trabajar en Spider-Man, saber que Miles es mitad latino y habla español con su mamá es algo que a mí me ha llenado mucho porque me hace sentir parte de.
Nos contaba uno de los directores de Spiderverse que en una ceremonia se le acercó un niño con su mamá, y que la mamá le decía: “Mira, mira, mira, él es el que hizo Spiderverse”. El niño se le acerca y le dice: “¿Es usted?, gracias por hacer un superhéroe que habla igual que yo y que se parece a mí”. Entonces dice el director: “Con esto me di por bien servido, me pueden quitar mi salario y estoy feliz”. Y ese tipo de historias me gustan mucho y son las que yo he buscado contarnos.
Saúl Ramírez: Viene la secuela Spider-Man: Across the Spiderverse, en la que también estás trabajando. ¿Qué es lo que sigue para Spider-Man? ¿Qué se ha planteado el equipo de animadores para esta nueva película?
CA: Cuando empecé en este proyecto, en Un nuevo universo, y empecé a ver las primeras etapas del proyecto, yo decía: “¿Cómo lograron esto? ¿Cómo estamos haciendo esto? ¿Cómo es que este estilo visual está siendo plasmado en animación?”. En mi cabeza no lo lograba concebir.
Ahora me está pasando exactamente lo mismo. Lo cual es raro, porque ya ha pasado mucho tiempo. He agarrado más experiencia todavía. Entonces, yo podría pensar que es muy difícil que algo me sorprenda. Y de repente llego a esta película otra vez y ver todas las pruebas que se están haciendo es una locura. Son cosas que en mi vida pensé que se iban a poder animar y se están animando. Lo único que puedo decirles es que si la uno les pareció una explosión visual, la dos es una locura.
Valeria González: ¿Cómo ha cambiado tu concepción del arte de la animación y sus objetivos, de cuando saliste de estudiar a hoy?
CA: Cuando salí de estudiar, la verdad sentí que me iba a morir de hambre. Ya con el paso de los años y con mucho trabajo duro, estoy en un momento en donde ya puedo decir que me encanta hacer lo que hago. Que mi trabajo salga en la televisión o en el cine, y que mi nombre salga ahí, la verdad es que ya es un extra. Para mí es un juego todavía haber estado en proyectos como Spiderverse, ya que es una película que cambió la animación. O sea, siento que hay un antes y un después de Spiderverse. Hace poco estaba leyendo un artículo en el que se decía que, antes, las películas animadas buscaban tener el «Pixar look». Es decir, todas buscaban verse como Pixar, pero que a partir de Spiderverse las películas nuevas están buscando tener el «Spiderverse look«. Y ya vemos películas como La familia Mitchell vs. las máquinas o incluso producciones de Pixar, como por ejemplo Red, donde a los personajes les cambian los ojitos a tipo animé. O películas como El gato con botas, que va a estrenar este año, y cuyo tráiler es idéntico al de Spiderverse. Ver que este tipo de animación se está empezando a crear en otros proyectos y saber que tú fuiste parte de aquel que originó todo, pues es algo muy bonito.
Texto y edición:
Joshua Sigler, Saúl Ramírez, Viviana Aguilar, Diego Westrup, Gerardo González, Omar Ayala.
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