El mundo abierto de Free Guy: ¿alguien quiere pensar en el coordinador de stunts?

Coordinar escenas de acción dentro de un filme, de cualquier magnitud y presupuesto, no es sencillo. Ante todo, se requiere tener experiencia en distintas áreas de producción, además de contar con apertura y disposición para aprender cosas nuevas. Un coordinador de stunts se relaciona con todo el equipo de realización, desde el director o directora hasta el departamento de arte y edición, pasando –obviamente– por los actores y actrices. Lejos de solo encargarse de las escenas vistosas y espectaculares, quien lidera la realización de las acrobacias debe asegurarse de que todo parezca una gran danza. Especialmente cuando se trata de los stunts de una película que emula el mundo de los videojuegos, como lo es Free Guy: Tomando el control.

Chris O’Hara ha coreografiado por más de 10 años proyectos en Hollywood, tales como Mundo Jurásico, Shazam! o las sagas de Divergente y Los juegos del hambre. Sin embargo, nada lo había preparado para su más reciente desafío: un videojuego de mundo abierto que, en sus palabras, resulta fresco porque literalmente se puede hacer lo que sea. Romper ventanas y volar por los aires es una cosa, pero destrozar helicópteros y pelear con samuráis y boxeadores al mismo tiempo es otra totalmente distinta. Afortunadamente, los protagonistas de la película, Ryan Reynolds y Jodie Comer, apostaron por llevarlo todo al extremo. Y toda persona que se encontraba en el set, al parecer, les siguió la corriente.

Cine PREMIERE participó de una mesa redonda con O’Hara y un grupo de periodistas. Ahí, se habló sobre lo que se necesita para crear un universo virtual que, sin dejar de ser explosivo y estrambótico, se mantuviera apegado al mundo real en medida de lo posible. Además, se desmenuzó el proceso de experimentación para crear nuevos ángulos con la cámara y también se reveló que las vicisitudes de la planeación estratégica corrieron a cargo de… ¿adolescentes y preadolescentes?

Cuéntanos sobre una de las tomas más impresionantes: un giro de 360° alrededor de Ryan Reynolds, cuando ve todo lo que sucede en su entorno, incluyendo explosiones y un helicóptero estrellándose. ¿Cómo la diseñaron y filmaron?

Esa fue probablemente una de las tomas más geniales que hicimos, porque mientras estamos ahí con Ryan lo estamos viendo a él y el mundo que está a su alrededor. Entonces, lo genial de esto es que tú estás en un videojuego, pero él se encuentra en un mundo donde [podría pasar] cualquier cosa. Así que, de cierto modo, tuvimos libertad creativa para hacer lo que quisiéramos. Sabíamos que cada vez que fuéramos a cierta zona [de la escena] queríamos que hubiera un poco de acción, por lo que creo que se alcanza a ver a un sujeto en llamas corriendo en el fondo, un sujeto que va en una tirolesa al tiempo que dispara con una pistola; había otro que caía en llamas desde la ventana de un segundo piso, o una persona que conducía [un vehículo] mientras disparaba una ametralladora calibre 50, y un helicóptero que se estrella. Entonces, todas estas cosas se diseñaron de forma muy específica. Hicimos ensayos para lo que sería ese movimiento y para saber cómo colocar la cámara en una posición y así lograr un encuadre lo suficientemente grande como para captar a Ryan Reynolds al frente, pero que también mostrara todos los pequeños easter eggs que están en el fondo de esta toma de 360 grados. Tuvimos una gran locación en Boston que era como una intersección de cinco vías que permitía [que hubiera] profundidad para crear el ambiente 360.

¿Cómo filmaron todos los elementos [de esa toma]? ¿Fue por separado, o con control de movimiento?

No, todo se hizo en live action.

¿De verdad? ¿Todo sucedía al mismo tiempo?

Sí.

¿Y cuánto tiempo ensayaron para hacer todo en una sola toma?

Ya habíamos ensayado todos los elementos iniciales y repasamos todo. Creo que tuvimos un día de ensayo para saber lo que cada quién iba a hacer. Teníamos la cámara afuera y ensayamos: “Bien, ese sujeto se adelantó un poco, ese otro se atrasó”. Sólo hicimos todo como en capas. Sabíamos que queríamos encontrar los puntos adecuados para que la cámara estuviera ahí. “Envíenlo [a hacer la toma] ahora”. Todo eso se hizo con ensayos. Digo, definitivamente no se estrelló un helicóptero [en la realidad], lo cual hizo que todo fuera más fácil para nosotros. Pero, ya sabes, todo el live action con personas fue una coreografía para una gran toma de 360 grados.

Fue interesante el hecho de que cada escena de acción tiene su propia historia. En la primera nos enteramos de quiénes son las personas de los lentes de sol y en otra el personaje de Ryan Reynolds se enamora. ¿Cómo encontraron el estilo peculiar de cada escena de acción?

Creo que lo genial de la película es que hay un arco sobre quién es Guy. Entonces, empieza yendo del punto A al punto B, haciendo lo mismo cada día y luego tiene este pequeño fallo en su programación que lo obliga a darse cuenta de en qué lugar [de la historia] está. Pudimos construir la acción en fases, de modo que, ya sabes, al final Guy se vuelve muy rudo. […] Y lo genial es que Ryan Reynolds siempre es el protagonista en Hollywood o siempre esperas verlo como superhéroe y aquí… básicamente lo redujimos a [ser alguien] tonto. Iba de la A a la B y de repente empezó a intentar cosas que no funcionaban, pero luego mejoraba y aprendía de eso. Con respecto a la coreografía de la acción, fue genial partir de lo básico y llevarlo a ser súper rudo.

Hace tiempo que no veíamos una cinta en la que hay acción desde la primera toma, ya sabes, en la escena de apertura. ¿qué te llevó a la decisión de filmar algo que cautivara nuestra atención desde el inicio?

Creo que eso venía del guion. Ya sabes, el guion era súper fresco y no querían que te dieras cuenta de lo que estaba pasando, porque en un mundo de videojuego puedes crear lo que quieras. Están Call of Duty y estos juegos en primera persona en los que hay mucho caos sucediendo a tu alrededor, y vas atravesando [el escenario] y absorbiendo todo. Creo que lo genial sobre el inicio de la película es que no sabes lo que está pasando porque es un mundo en el que puedes estar en acción y crear todas estas locuras. Me parece que era una forma genial de «golpearte en la cara» inmediatamente.

¿Cuántos dobles de acción estuvieron en esta película, y cuál es la parte que más te gusta?

Cielos, tendría que revisar mi lista de dobles de acción, pero mientras ves la película –y si la ves muchas veces– ves que hay capas, capas y capas de personas en el fondo. Habiendo dicho eso, creo que teníamos más o menos 50 sujetos, probablemente. Sólo porque hay escenas grandes en la que había diferentes personas y varias capas de cosas que no se ven. Ya lo mencioné antes, pero creo que esa escena de 360° [es la parte que más me gusta de la película porque] fue genial y muy novedosa al trabajar con los tiempos y con sujetos que caen y hacen cosas. Le prendimos fuego a alguien. […] Y por seguridad usamos un extinguidor, pero mientras ese sujeto estaba en llamas cae en un buzón y seguíamos con la toma. Había otras personas que apagaban las llamas con el extinguidor. Tan solo trabajar con los tiempos mientras todas estas personas llegaban [a la escena]… La tirolesa, las caídas de las ventanas. […] Trabajar con todo eso en la escena de 360° e intentar hacer todo fue genial. Esa escena grande destaca para mis ojos.

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¿Qué tipo de videojuegos tenían en mente al crear las secuencias de acción de Free Guy?

Bueno, en aquel entonces había salido Fortnite y fue muy grande. Definitivamente lo usamos [como inspiración]. Vi mucho de Fortnite, pero también sucedió que en ese tiempo yo tenía [hijos/hijas] de, veamos… 16, 13 y 10 años. Fue genial poder buscar en su cerebro las cosas que se pueden hacer en un mundo de videojuego. Ellos jugaban muchos en primera persona, ya sabes, como GTA (Grand Theft Auto) y Call of Duty, ese tipo de cosas. Fue como una versión de eso, donde todo puede pasar. Vi muchas secuencias diferentes en YouTube y en realidad le pregunté [a mis hijos/hijas]: “¿Esto estaría cool?” “¿Qué se puede hacer?” “¿Cuáles son los parámetros de esto y esto otro?” Así que algunos preadolescentes y adolescentes me ayudaron a desarrollar lo que sería la acción de esta película [ríe].

Cuando diseñaste la acción, ¿cómo trazaste la línea entre una persona regular y un superhéroe, para no ir tan lejos y hacer una especie de Spider-Man? Porque a veces Guy hace cosas increíbles, pero se tiene que mantener en la realidad. ¿Cómo lo balanceaste?

Digo, creo que con las películas de superhéroes tu cerebro se puede desconectar un poco, ya que si el superhéroe se convierte en CGI está bien. Creo que nuestro mundo estaba más aterrizado en la realidad, o eso queríamos. Para algunas escenas no queríamos hacer muchas cosas en terreno digital. Sí teníamos computadoras y planeación dentro de las escenas de acción, pero se trató más de crear la ambientación a través del lente, ver todas esas cosas a través de él. Pudimos aterrizar más las cosas porque no había tanto que se tuviera que destacar, sino que más bien varias cosas estaban en el fondo. Eso nos permitió tomar pequeños elementos y lograr mayores cosas en live action. […] En realidad no es una película de superhéroes. Queríamos hacerlo todo más real y tratamos de aferrarnos un poco a eso. Como en película de superhéroes, puedes ver a algún sujeto falso volando en el aire, pero nuestra película realmente se enfoca en el viaje de Guy, así que todo lo demás, lo que estaba en el entorno era como una especie de acompañamiento. [La historia] es más sobre el viaje de Guy y él es una persona física dentro de este ambiente.

En las escenas de acción tenemos samuráis, boxeadores, katanas y hasta bolsas de aire. ¿Cómo combinaron todos estos elementos diferentes?

Es un mundo falso, así que nos preguntamos qué sería más raro. “¿Qué es lo más raro [que podemos hacer], traer un boxeador?” “¿De dónde viene el boxeador? ¿De dónde viene el samurái?” Y [quisimos] utilizar el entorno. La bolsa de aire del auto era utilería para una pelea. Fue genial, como para que la audiencia dijera: “¡Oh, Dios!”. Pero muchas cosas también eran interesantes para el viaje de Guy. [En una escena de acción] él está al volante, de repente todo explota y él dice: ”Oh, rayos, rayos, rayos”, y seguimos al personaje y lo que va haciendo. Nos ayudó mucho tener matices en las escenas de pelea en cuanto a la utilería con la que tuvimos que trabajar [como las bolsas de aire]. También creo que la habilidad actoral de Ryan –en todos esos momentos– ayudó a que fuera más interesante.

Las escenas de pelea tenían esta especie de coreografía robótica en la que [los personajes] hacían un movimiento, luego pausaban y después hacían otro. ¿Cómo fue el proceso al trabajar con Jodie y Ryan para balancear los elementos “robóticos” de estas escenas y hacer que además todo se viera real y fluido para que hacer que todo funcionara?

Creo que [en] el proceso de hacer esa pelea larga con Jodie y Ryan, se suponía que todo debía ser como un juego entre ambos. Hay escenas donde sólo se trata de tener acción por la acción misma. ¡Acción, acción, acción! Pero todas estas escenas de pelea también son sobre la relación de [los personajes de] Jodie y Ryan. Así que mientras vemos la batalla hay estas pequeñas pausas, estos momentitos, ¡bop, bop, bop! Creo que quizás esta parte fue la que se sintió algo robótica, pero todas esas pausas tenían que ver con la historia. Tratamos de no montar una pelea simplemente para mostrarte una pelea, sino que realmente pudiéramos contar una historia a través de los stunts y dar razones para hacer un stunt. Esa es mi meta. Mi equipo y yo coreografiamos la pelea con todas esas pausas y con el timing cómico de Ryan.

¿Qué tan lejos se te permitió llevar la libertad creativa y cuál fue el mayor reto al hacer esta película?

Creo que al principio, cuando leí el guion, me pareció súper fresco y nuevo. Creo que la ambientación que pudimos crear es enorme. En la preproducción nos reunimos y analizamos muchísimas cosas: “¿Hacia dónde lo podemos llevar?” “¿Qué tan lejos podemos ir?” “¿Qué será divertido y qué no será divertido?” Realmente no hubo límites, lo cual puede ser difícil, porque, ya sabes, puedes crear lo que quieras en el ambiente de videojuego. Al tratar de aterrizarlo y hacer lluvia de ideas a veces decíamos: “Dios, eso llegó demasiado lejos”, así que había que aterrizarlo. Esa fue la parte creativa. Sí fue retador, pero también fue genial tener esas habilidades, ese ambiente.

¿Se te presentó algún desafío en Free Guy que no habías tenido en otras películas?

He sido muy afortunado al formar parte de muchas películas diferentes, entonces, definitivamente. En Free Guy trabajé lado a lado con el supervisor de efectos especiales, Swen [Gillberg], y fue increíble tener esa relación de trabajo porque es un ambiente de videojuego, entonces los efectos especiales tuvieron un gran peso en muchas de las cosas que hicimos. Poder trabajar tan de cerca con ellos [ese departamento] para crear ese ambiente fue [muy bueno]. He trabajado antes con personas de efectos especiales, pero aquí nos la pasamos todo el tiempo en el cuarto de edición de efectos viendo diferentes cosas y analizando diferentes opciones y cambios, rehaciendo cosas porque no queríamos equivocarnos. Entonces eso fue algo único para mí.

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José Roberto Landaverde Me fascina escribir, escuchar, leer y comentar todo lo relacionado con el cine. Me encanta la música y soy fan de The Beatles, Fleetwood Mac y Paramore. Mis películas favoritas son Rocky y Back to the Future y obvio algún día subiré los "Philly Steps" y conduciré un DeLorean. Fiel creyente de que el cine es la mejor máquina teletransportadora, y también de que en la pantalla grande todos nos podemos ver representados.