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Consejos de Guillermo del Toro para hacer cine

Por:

27-10-2017
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Estos son los mejores consejos que el cineasta mexicano ofreció en su clase magistral en el marco del FICM 2017.

Guillermo del Toro asistió al 15 Festival Internacional de Cine de Morelia para presentar su película La forma del agua por primera vez en México. Sin embargo, eso no fue todo lo que hizo: también dedicó horas para hablar con sus fans, días enteros para ofrecer entrevistas, ofreció una proyección de beneficencia para los damnificados y dio una clase magistral (que convirtió en dos al darse cuenta de que aún había personas que se quedaron afuera por falta de espacio). Estos son los consejos para hacer cine que ofreció a los jóvenes cineastas (y a todos aquellos que quieran dedicarse al arte):

1 La originalidad pura no existe

«La única originalidad que puede existir en el arte es la de la síntesis. Todo lo que se puede decir ya se ha dicho antes de una u otra forma. Pero lo que le da al creador su propia voz es la síntesis, le da su propio timbre. Las influencias sólo se pueden utilizar cuando ya han sido procesadas por nuestras propias vivencias. Cualquier cultura sin  procesar por nuestra vivencia es conocimiento inútil. Es erudición muerta».

2 Escucha la voz de la película, no a tu terquedad

«Lo que aprendes es que [hacer una cinta] es como tener arcilla y hacer alfarería. En el momento de moldear la película, lo que se cae pues ya, se cayó. La película dicta su propia forma y aprendes a escucharla más que a tu terquedad. ¡Porque la voz de la película y tu terquedad suenan idénticas al principio (ríe)! Hay que practicar para saber escuchar a la película».

3. Amar al cine es conocer al cine

«Si ustedes quieren hacer cine deben de conocer la historia de ese lenguaje, porque si solo se quedan en las películas de hace 20 años hay un vacío enorme. Hay que ver desde el inicio, para que su lenguaje sea algo que ustedes dominen. La imagen es adjetivo y es verbo: el verbo es la acción, lo que sucede. El adjetivo es como la califican ustedes con su lente, su diseño de producción, su actuación, su vestuario, el ritmo y el flujo».

4. Tu voz viene de tus vacíos, no de tus certezas

«Vean su propia biografía y apuéstenle a lo que más les da miedo, no a los que tengan más confianza, hablen de cosas que les duela, que les dé vergüenza, que les de apuro. Porque esa es su voz. Las cosas que ven como defectos, son sus virtudes. La virtud es un defecto potenciado. Si ven la primera película de Kubrick, la primera primera, Fear and Desire, es tiesa, rara, acartonada, episódica, pero todo eso es lo que eventualmente le da su estilo. Fíjense muy bien, porque la juventud disfraza las virtudes de defectos».

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Foto: Eduardo Islas

5  Deja que los actores te muestren qué traen bajo la manga

«Semanas antes de rodar te sientas con tus actores para analizar escena por escena. Ese es el trabajo de mesa, porque ya en el set el actor está vivo enfrente de la cámara  y lo que quieres es mantenerlo así, por lo que ahí no puedes hablarle elaboradamente. En el trabajo de mesa se puede divagar. Ya en el momento del set ya no puedes estar: ‘¿Recuerdas a tu infancia…?’ Al actor le das un verbo, algo qué hacer. Dale oportunidad de que te enseñe los colores que él o ella trae. No le digas desde el inicio qué hacer. Ése es el error más grande: el director, entre más joven, más veces entra después de cada toma. Por otro lado, si el actor se siente mirado, todo cambia. El cine y el amor tienen en común a la mirada. Los actores se saben mirados, y tu tienes que tener apertura para ver qué traen».

6.  La imagen no es el accesorio, es la historia

«Cuando se habla de qué buena fotografía, también se está hablando de dirección, de diseño de producción y de vestuario, porque son patas de la misma mesa. En teoría, para mí, es un solo departamento que también incluye maquillaje y peluquería. Es una sola unidad narrativa visual. El director de fotografía tiene que tener una relación impecable con el diseñador de producción, el diseñador tiene que entender que la ropa es el set del actor, que un plano abierto el vestuario debe contar una cosa, en el plano medio uno debe descubrir cosas que no había visto y que en el close up debes ver la arquitectura de la cara del actor. Imagen e historia no existen separados. Lo audiovisual no es el betún en el pastel. Es EL pastel».

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Foto: Eduardo Islas

7. Ya eres director de cine

«Accidentes fortuitos. Coppola dijo alguna vez: ‘Cuando alguien dice yo quiero ser director de cine, ya no va a serlo. Cuando alguien dice soy director de cine, es director de cine’. Hayas rodado no hayas filmado, vale madre. Ya eres director de cine. Yo hice Super 8 porque era cámara que tenía mi jefe y compraban mis rollos en la Farmacia Guadalajara. La cosa es que muchas veces la esencia del mexicano es esperar a que alguien baje y nos rescate. El asunto es que si tienes una cámara en tu iPhone y ganas, tienes más de lo que tenía una persona en 1940. Puedes entrenarte para contar una historia. Lo que pase después ya es demográfico: siempre va a haber alguien más exitoso que tú y alguien menos exitoso. Haz cine desde donde estás».

8 Sé fuerte, pero no pierdas la inocencia

«El estado natural de una película es que no se haga. El rechazo es lo mejor que te puede pasar. Lo mejor que puedes hacer es tener ya historias en tu cabeza.Tenemos que tener la fragilidad de un poeta y la fortaleza de un boxeador. Es el oficio más raro del mundo: tienes que ser grillo, poca madre, y al mismo tiempo inocente como paloma a la hora de hacer tu arte. Lo que sí es importante es: agárrate de quien crea en ti».

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Foto: Eduardo Islas

 

Periodista, editora en Cine PREMIERE y bailarina frustrada en sus ratos libres. Gustosa del cine, la literatura, el tango, los datos inútiles y de la oportunidad de desvelarse haciendo lo que sea.

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