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Podcast de Cine PREMIERE #231 – The Lovebirdz

En este episodio del podcast de Cine PREMIERE hablamos de The Lovebirds (la nueva película de Kumail Nanjiani e Issa Rae) y de Control Z, serie recién estrenada. Además, nos acompañan Sergio Tovar Velarde y Orlando Manrique para platicarnos de su nueva serie web El fantasma de la lavadora. La pregunta de la semana: ¿Cuál […]

June 2020

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Películas de grandes directores que nunca pudieron realizarse

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29-04-2020
Películas que no se realizaron

Ni siquiera el éxito realizador es garantía al momento de concebir una película.

Es un hecho que los grandes directores, aquellos que han brillado en crítica y taquilla, tienen mayor facilidad al momento de sacar adelante sus proyectos. Sin embargo, existen ocasiones en que esta premisa no se cumple, ya sea por la complejidad de las historias, los altos costos de producción o toda clase de factores que imposibilitan la filmación de una película. Como prueba estos cineastas, figuras consolidadas dentro de la industria cuyas cintas de ensueño nunca se realizaron.  

Nota: La siguiente lista se encuentra en orden cronológico.

An American Tragedy (Dir. Sergei Eisenstein)
(Vía)
Títulos como El acorazado Potemkin (1925) y Octubre (1927) permitieron que Sergei Eisenstein pasara a la historia como uno de los grandes directores de todos los tiempos y uno de los mayores referentes del cine soviético. Esta última etiqueta ha propiciado que buena parte de las audiencias contemporáneas olviden que el creativo tuvo un breve y fallido paso por Hollywood en el que fue incapaz de concretar varios proyectos, siendo la adaptación de An American Tragedy de Theodore Dreiser el más sonado de todos, sobre el asesinato de una mujer perpetrado por su amante al enterarse que ésta esperaba un hijo suyo. El realizador presentó un guion en 1930 que fue rechazado por Paramount. En su momento, el productor David O. Selznick comunicó en un memo que la adaptación “fue una experiencia memorable; el guion más conmovedor que haya leído […]. Como entretenimiento, no creo que tenga una oportunidad”. Los rumores también hablan de presiones políticas sufridas por el estudio, producto de una campaña anticomunista que se rechazaba el trabajo creativo de un soviético en territorio norteamericano, lo que resultó en la cancelación del contrato entre ambas partes y el regreso de Eisenstein a su tierra de origen.
Giraffes on Horseback Salad (Salvador Dalí)
(Vía)
Salvador Dalí es recordado como uno de los mejores artistas plásticos de todos los tiempos, pero a veces es fácil olvidar que también tuvo un breve, pero importante recorrido cinematográfico como guionista de Un perro andaluz (1929) y La edad de oro (1930) de Luis Buñuel, así como del cortometraje Destino (2003) bosquejado para Walt Disney. Hay quienes piensan que el español habría trascendido más en el celuloide de haberse concretado la realización de Giraffes on Horseback Salad, escrito en 1937 para los hermanos Marx, no sólo buenos amigos, sino “verdaderos surrealistas” a ojos del catalán y cuya relación con MGM resultaría clave para el financiamiento del proyecto. El creativo también pensaba que el rol protagónico debía ser para Groucho, quien aparecería persiguiendo enanos, contestando varios teléfonos a la vez con múltiples brazos que le emergerían del cuerpo y en contacto con jirafas que portarían máscaras de gas. El texto fue desechado por Groucho al considerar que no tenía gran encanto, mientras que MGM lo consideró excesivamente surreal y poco atractivo para sus audiencias. El rechazo resultó en un duro golpe para Dalí, quien vio mermado su gran intento por incursionar en el cine hollywoodense.
Heart of Darkness (Dir. Orson Welles)
(Vía)
Orson Welles realizó una adaptación radiofónica de la obra de Joseph Conrad en 1938 y sólo un año después intentó llevarla al cine para RKO Pictures, en la que habría sido apenas su segunda película después de Too Much Johnson (1938). Sus esfuerzos incluyeron un guion escrito en colaboración con John Houseman y un video donde plasmaba parcialmente su visión del proyecto, el cual se caracterizaría por la narración desde los ojos de Marlow, quien relata los orígenes de su obsesión con el traficante Kurtz. La cinta no pudo concretarse porque resultaba demasiado ambiciosa y costosa para un cineasta de poca experiencia, así como por la salida de posibles inversores europeos tras el inicio de la II Guerra Mundial. Irónicamente, la imposibilidad de concretar estos planes permitió que el cineasta empezara a trabajar en el filme con el que garantizaría su lugar en la historia: Ciudadano Kane (1941). El impulso obtenido con esta película le motivó a luchar por su anhelada adaptación, pero tuvo que conformarse con la producción de una nueva adaptación radiofónica que empleó su guion como base. Casi 40 años después, la obra de Conrad sería reinventada por Francis Ford Coppola para uno de los grandes clásicos cinematográficos de todos los tiempos: Apocalipsis ahora (1979). No fue la única cinta pendiente de Welles, quien también fracasó en la adaptación de Don Quijote.
Jesus of Nazareth (Dir. Carl Theodor Dreyer)
(Vía)
El danés Carl Theodor Dreyer siempre mostró interés en la relación entre lo humano y lo divino, y así lo palpó en cintas como Páginas del libro de Satán (1920) y La pasión de Juana de Arco (1928). Fue esta última película la que le motivó a adaptar la vida de Jesús, con la firme intención de, según lo escrito en la introducción de su propio guion, “sacar la imagen de Jesús de la penumbra de las iglesias y llevarla a la naturaleza, en la que a Jesús mismo le gustaba viajar, y mostrar que Jesús no flotaba en las nubes sino que caminaba por la tierra como un hombre, en quien la habilidad creativa que habita cada el alma humana se desplegó bajo formas como nunca antes se habían visto en la historia", así como “erradicar el mito de que los judíos son culpables por la muerte de Jesús”. Trabajó en el proyecto por años, pero sólo pudo completar el guion en 1950, en un mundo sumido en el caos de la posguerra y los miedos propios de la Guerra Fría, lo que complicó su búsqueda de inversores. Parecía que el problema se resolvería luego de que Dreyer firmara un contrato de apoyo con el empresario Blevins Davis, el cual nunca se concretó, convirtiendo la adaptación de Jesús de Nazareth en una de las grandes obras pendientes de la historia. El celebrado texto fue publicado en 1968, poco antes después de su fallecimiento.
Kaleidoscope (Dir. Alfred Hitchcock)
(Vía)
Psicosis (1960) es la cinta más brutal en la obra de Alfred Hitchcock, pero esta premisa pudo cambiar unos años después, en caso de haberse concretado la realización de Kaleidoscope. Tras los fracasos de Marnie (1964) y Cortina rasgada (1966), el Maestro del Suspenso pretendía regresar a lo más alto con una fórmula muy similar a la utilizada en la tragedia de Norman Bates: un proyecto de bajo presupuesto, mucho secretismo y una intensa exploración psicológica, en este caso, para relatar la historia de un fisicoculturista homosexual que se torna violento en la presencia de agua. Se dice que el proyecto nunca pudo concretarse por dos razones: la primera de ellas fue la incapacidad de distintos guionistas para construir un tercer acto libre de clichés que convenciera al cineasta; la segunda y más sonada de todas fue por sus altísimos niveles de sexualidad y violencia con violaciones, estrangulaciones, necrofilia y la disolución de cuerpos en ácido, lo que resultó especialmente desagradable para el director, crítico y buen amigo del británico, François Truffaut. Estos percances no afectaron a Hitchcock, quien rodó algunas pruebas silentes en las que se aprecia su intención de rodar con una estética similar a la usada por Michelangelo Antonioni en Desierto rojo (1964). Al final, todos los esfuerzos fueron en vano, pues los ejecutivos de Universal le convencieron de abandonar esta trama por su poco potencial y centrarse en Topaz (1969).
Napoleon (Dir. Stankey Kubrick)
(Vía)
Es un hecho innegable que Stanley Kubrick ocupa un lugar de honor entre los grandes directores de todos los tiempos, pero ni su enorme talento pudo ayudarle a sacar adelante su anhelado biopic de Napoleón, que pasó a la historia como su eterna película maldita. En su momento, el cineasta explicó al escritor Joseph Gelmis que “me fascina el personaje. Su vida se ha descrito como un poema épico de acción y su vida sexual era digna de Arthur Schnitzler [autor de Relato soñado que inspiró Ojos bien cerrados (1999)]”. Los esfuerzos por trasladar la vida de Bonaparte al cine comenzaron en 1968, cuando el inesperado éxito de 2001: Odisea del espacio (1968) motivaron a MGM a financiar el proyecto, empezando por la contratación de asistentes para la documentación. El cineasta entregó el guion en 1969, pero el estudio lo rechazó por diferentes motivos: el cambio en la presidencia del estudio, con Robert O’Brien reemplazado por Louis Polk Jr., quien no sabía mucho de cine al provenir de la industria del cereal; el creciente temor a las cintas de época por sus altísimos costos de producción; así como el fracaso de Waterloo (1970). Aunque la cinta nunca se concretó, la existencia del guion permite apreciar que Kubrick empleó muchos de sus elementos en otras películas, como La naranja mecánica (1971) y Barry Lyndon (1975). No conforme con ello, Steven Spielberg ha manifestado su deseo por rescatar el proyecto con una miniserie en la que fungiría como productor. En caso de concretarse, sería su segundo acercamiento directo a la obra del británico luego de Inteligencia artificial (2001).
Agón (Dir. Luis Buñuel)
(Vía)
Luis Buñuel y Jean-Claude Carrière integraron una de las duplas creativas más importantes del cine, en una colaboración que duró casi veinte años y que implicó nueve guiones, seis de los cuales fueron llevados al cine, entre los que destacan Bella de día (1967) y El fantasma de la libertad (1974). Esta alianza también incluye un proyecto inconcluso que combina elementos como una joven prisionera de un obispo fantasma y un plan para dinamitar el Louvre. El guion fue trabajado bajo el nombre provisional de Agón, y cuyo título definitivo incluyó opciones como El canto del cisne, Haz la guerra y no el amor, Una ceremonia secreta, Guerra, sí: amor, tampoco y Una ceremonia suntuosa, siendo este último el más famoso de todos por su homenaje a André Breton, que empleaba estas palabras para definir al erotismo. La pareja creativa empezó a trabajar en la trama una vez celebrado el estreno de Ese oscuro objeto del deseo (1977), pero la mala salud del director impidió que la realización pudiera llevarse a cabo. En 2019 se descubrió que el guion se encontraba a la venta en una librería parisina por poco más de $13,000 USD.
Idiót (Andrei Tarkovsky)
(Vía)
Andrei Tarkovsky pasó a la historia por su enorme talento, pero también por sus continuos esfuerzos por elevar el arte cinematográfico a niveles que muchos consideran exclusivos de otras disciplinas, como la literatura o la escultura. Esta búsqueda le hizo fijar su atención en El idiota de Fiódor Dostoyevski sobre un príncipe cuya bondad y tortuoso pasado le llevan a convertirse en víctima de un mundo despiadado. La hermana del director explicó a Voice of Russia que Tarkovsky incluyó numerosas referencias a la novela en sus distintas películas, pero que su verdadero deseo era llevarla a la pantalla grande, un sueño que se vio continuamente entorpecido por las autoridades soviéticas. “Le decían: ‘eres joven e inexperto. Deja que pase un poco más de tiempo’. Al final sólo le dieron promesas y el sueño de su vida nunca se realizó […] Lo veían como un extraño, una persona que era libre por dentro y nunca se lo perdonaron”. Más trágico aún fue que en 1983 firmó un contrato para la realización del filme, pero el plan no se concretó porque el creativo se negó a regresar a su país de origen y finalmente murió en 1986. Más allá de la polémica, el propio Tarkovsky reconoció que “entre mejor el escritor, más difícil de adaptar”, tras admitir que un esfuerzo de este calibre era “equivalente a la arcilla que pasa a través del calor de un horno donde puede alcanzar la forma, tanto resistente al fuego como a prueba de agua, o fundirse en algo sin forma y petrificado”.
The Conquest of Mexico (Dir. Werner Herzog)
(Vía)
Werner Herzog incursionó en la épica conquistadora con Aguirre, la ira de Dios (1972), sobre una expedición española encomendada a la localización de El Dorado. Este proyecto hizo que sus intereses se tornaran todavía más ambiciosos, con un proyecto que abordaría la conquista encabezada por Hernán Cortés desde la perspectiva de los aztecas. Siempre fiel a su estilo, el cineasta intentó seguir la ruta independiente para evitar choques con cualquier estudio, pero los altos costos le obligaron a buscar alianzas en Hollywood. Su mejor oportunidad llegó hacia finales de los 80 cuando Francis Ford Coppola se interesó en la producción del proyecto, hasta que el fracaso de Golpe al corazón (1981) hizo que el apoyo se tornara inviable. Aunque la cinta nunca pudo concretarse, Herzog continuó abordando el colonialismo bélico y cultural en títulos como Fitzcarraldo (1982) y Queen of the Desert (2015).
Night Skies (Dir. Steven Spielberg)
(Vía)
Encuentros cercanos del tercer tipo (1977) resultó desafiante en su realización, pero su éxito comercial hizo que Columbia mostrara gran interés en una secuela. La idea no resultaba verdaderamente atractiva para Steven Spielberg, pero el temor a que el estudio expandiera la historia sin su visión del mismo modo en que Universal hizo con Tiburón (1975) le llevó a bosquejar una historia de terror sobre una joven y su hermano autista que deben contener una invasión extraterrestre iniciada en su propia granja. El director encomendó la realización del guion a John Sayles y el diseño de las criaturas a Rick Baker mientras él terminaba su trabajo en Cazadores del arca perdida (1981), fue entonces cuando “estaba sentado en medio Túnez, frotando mi cabeza y pensando ‘necesito regresar a la tranquilidad, o al menos a la espiritualidad de Encuentros cercanos’, ” lo que le motivó a explorar la historia de “una criatura extraterrestre benevolente, tierna emocional y dulce… y la idea de una criatura estableciendo una relación emocional con un niño proveniente de un hogar roto me resultó conmovedora”. Fue así como Night Skies sentó las bases para ET, mientras que el guion original terminaría perdiéndose ante la negativa de Tobe Hooper por filmarlo. Aun así, muchos de sus elementos fueron aprovechados por títulos tan variados como Poltergeist (1982), Gremlins (1984), Señales (2002) y La guerra de los mundos (2005).
Dune (Dir. Alejandro Jodorowsky)
(Vía)
Es bien sabido que la obra de Alejandro Jodorosky nunca se ha enfocado en las grandes audiencias, pero esto no impidió que el productor Michel Seydoux, fascinado por El topo (1970) y La montaña sagrada (1973), se acercara al cineasta para prometerle su apoyo en cualquier proyecto que deseara realizar. La elección fue Dune, adaptación de la mítica novela de Frank Herbert y que no había leído, sino que había llamado su atención con la descripción dada por un amigo. Esto marcó el inicio de una labor sumamente ambiciosa que reunió algunos de los grandes genios creativos de todos los tiempos, como Jean-Girard Moebius para los storyboards, H.R. Giger para el diseño de los villanos, Dan O’Bannon en los efectos visuales y Pink Floyd para el soundtrack, así como un elenco encabezado por David Carradine, Gloria Swanson, Alain Delon, Mick Jagger, Orson Welles y el mismísimo Salvador Dali. Parecía demasiado bueno para ser verdad y así fue, ya que la alianza Jodorowsky/Jacobs fue incapaz de obtener el apoyo necesario, pues los estudios consideraron que el filme era demasiado excéntrico, demasiado largo con más de diez horas de duración contempladas y excesivamente costoso para un director poco comercial. Esto hizo que la dupla se resquebrajara y que Jacobs se aliara con David Lynch para finalmente conseguir un acuerdo con Universal siempre que la cinta tuviera una duración aproximada de dos horas. No fue un éxito, pero alcanzó un estatus de culto que se mantiene hasta nuestros días. Por su parte, la versión contemplada originalmente sirvió como base para el documental Jodorowsky’s Dune (2013), que relata el proceso de trabajo para ofrecer un pequeño vistazo de lo que pudo ser.
Nostromo (Dir. David Lean)
(Vía)
El puente sobre el río Kwai (1957), Lawrence de Arabia (1962) y Doctor Zhivago (1965) consolidaron a David Lean entre los grandes directores de todos los tiempos y uno de los mejores adaptadores de novelas épicas, pero estas etiquetas no le fueron de gran ayuda al momento de rodar Nostromo de Joseph Conrad. El británico empezó a trabajar en el proyecto inmediatamente después de Pasaje a India (1984), convencido de la necesidad de regresar a las viejas historias en una época dominada por la acción, los efectos visuales y las franquicias. El talento del cineasta y la trascendencia del texto que capturaba la manera en que los intereses políticos y personales atentan contra los países menos desarrollados fueron clave para reunir actores de enorme talento como Peter O’Toole, Marlon Brando, Alec Guinness e Isabella Rossellini, y para involucrar a Steven Spielberg en la producción. Pero la película se atascó en el guion y las aseguradoras exigían fuertes cantidades para respaldar el filme de un cineasta octogenario. Cuando todo estaba listo para arrancar en 1991, Lean fue diagnosticado con cáncer y murió en 1991 sin concretar sus esfuerzos.
Leningrad: The 900 Days (Dir. Sergio Leone)
(Vía)
Luego de plasmar su pasión por la épica histórica del siglo XX en Érase una vez en América (1984), Sergio Leone decidió elevar todavía más la batuta con Leningrad: The 900 Days, donde exploraría uno de los sitios más longevos y brutales de la II Guerra Mundial. Lejos de un filme bélico cualquiera, el cineasta se apoyaría en la obra de no ficción escrita por Harrison Salisbury para relatar las vivencias desde la perspectiva de un fotógrafo que queda atrapado en el conflicto y que habría sido interpretado por Robert De Niro. A inicios de 1989, y luego de varios años batallando por conseguir una financiación de $100 mdd, el italiano reveló en rueda de prensa celebrada en Moscú que "uno de mis sueños más queridos se hará realidad; por fin voy a poder dirigir una película sobre el cerco de Leníngrado durante la II Guerra Mundial". El anhelo nunca pudo concretarse, pues el director falleció poco tiempo después, el 30 de abril de ese mismo año, dos días antes de firmar el contrato que oficializaría el inicio de rodaje en 1990.
Crusade (Dir. Paul Verhoeven)
(Vía)
Paul Verhoeven vivió uno de los puntos más altos de su carrera hacia finales de los 80 e inicios de los 90, con títulos como RoboCop (1987), El vengador del futuro (1990) y Bajos instintos (1992). Este impulso, aunado a su buena relación con Arnold Schwarzenegger, les hizo reunirse para un proyecto completamente distinto, Crusades, sobre un ladrón convertido en esclavo que se une a los cristianos en la batalla por la liberación de Jerusalén en 1095, sólo para descubrir las verdaderas y polémicas razones tras la guerra santa. Un filme que prometía grandes emociones y secuencias espectaculares, así como duras críticas políticas y religiosas. Carolco Pictures no dudó en apoyar el proyecto con $10 mdd para la preproducción, pero las cosas se complicaron con el presupuesto final, pues el estudio también deseaba invertir en La pirata (1995) cuyos costos quedaron muy cerca de los $100 mdd. Schwarzenegger confesó a Empire que “todo estaba escrito y listo, pero luego Paul comenzó a volverse loco. Tuvimos la reunión final con el estudio y estábamos todos sentados en esta mesa de juntas. Dijeron: 'entonces el presupuesto es de $ 100 mdd. Eso es mucho dinero. ¿Qué tipo de garantías tiene de que la obtendremos por 100 y no llegará a 130?’ Él dice: ‘¿Qué quieres decir con garantías? ¡No existen garantías!’ […]. Ese fue el final de esa película”. El director pausó el proyecto para trabajar en Showgirls (1995), que fracasó estrepitosamente al igual que La pirata, Carolco se fue a la quiebra y Crusade sería cancelada para siempre.
Superman Lives (Dir. Tim Burton)
(Vía)
Sólo unos años después de su participación en Batman (1989) y Batman regresa (1992), Tim Burton fue contactado por Warner para Superman Lives, que adaptaría la popular serie impresa de The Death of Superman. A diferencia de muchas otras películas que nunca se concretaron, ésta se caracteriza por haber iniciado de lleno con su preproducción, al grado que existen fotos de Nicolas Cage, controvertida opción para encarnar al Hombre de Acero, probándose distintos trajes del kryptoniano. El proyecto no se concretó por distintas razones, como el fracaso de varias cintas del estudio en aquella época, entre las que destaca Batman y Robin (1997) de Joel Schumacher; las altas posibilidades de que el presupuesto de $100 mdd terminara duplicándose; la complejidad de la historia ante la incursión de Brainiac; y la insistencia del productor Jon Peters por alterar drásticamente la esencia del personaje. El proyecto se canceló tras un año de trabajo, algo que el propio Cage aplaudió en entrevista con Yahoo! al considerar que "tenía una gran fe en aquella película y en la visión que Tim Burton tenía sobre la misma. Me hubiese gustado verla, pero en cierto modo creo que todos hemos salido ganando con el hecho de que no exista, gracias al poder de la imaginación. Ahora la gente puede imaginar cómo hubiera sido, y quizás esa imagen sea más fuerte que la de la película terminada".
At the Mountains of Madness (Dir. Guillermo del Toro)
(Vía)
La fascinación de Guillermo del Toro le hizo voltear al mito del Cthulhu creado por HP Lovecraft para adaptar la que es considerada por muchos como su obra maestra: At the Mountains of Madness. El tapatío, apoyado por el guionista Matthew Robbins, comenzó a trabajar en el proyecto en 2006, pero sus esfuerzos no fueron secundados por Warner Bros. al considerarle una cinta demasiado arriesgada por su excéntrica historia y sus elevados costos de producción. El financiamiento llegó en 2010 con James Cameron como productor y Tom Cruise como protagonista, pero esta vez fue Universal el de la negativa ante la insistencia del director por tener una clasificación R. Los esfuerzos parecieron colapsar en 2012, cuando el propio cineasta anunció la postergación de sus planes ante las evidentes similitudes de la historia con Prometeo (2012), explicando a Deadline que “he aprendido que Dios se ríe cuando hacemos planes […]. Tenemos buenas piernas para viajar, si el tiempo y la oportunidad se presentan, pero vamos a luchar para que suceda”. No es su único filme sin concretar, pues la lista incluye títulos como Justice League Dark, The Hulk, Fantastic Voyage, The Haunted Mansion y Wind in the Willows, entre muchos otros.
Justice League: Mortal (Dir. George Miller)
(Vía)
Los avances propios del cine de superhéroes en la primera década del siglo XXI convirtieron a los crossovers en una necesidad y a Justice League en una auténtica obligación para DC Comics. La cinta no contaría con Brandon Routh como Superman ni Christian Bale como Batman, sino que marcaría un reinicio de toda la franquicia, una gran responsabilidad que en 2007 fue encomendada a George Miller y que contaría con un presupuesto superior a los $200 mdd. Se estima que más de 40 actores hicieron audiciones, siendo D.J. ¬¬Cotrona (Superman), Armie Hammer (Batman), Megan Gale (Mujer Maravilla), Common (Linterna Verde) y Adam Brody (Flash) los elegidos, pero los planes colapsaron con la huelga de guionistas y una serie de problemas con el presupuesto. Brody declaró a THR que "el borrador que leí era muy bueno. No te cambiaba la vida, pero era sólido y muy satisfactorio, especialmente en el comienzo. Tenía el tono perfecto. Capturaba exactamente lo que querías de la película, y habían elegido al actor perfecto para cada papel". La Liga de la Justicia tendría que esperar diez años más para saltar al cine en un proyecto cumplidor que sigue generando debates entre los aficionados.
Paradise Lost (Dir. Alex Proyas)
(Vía)
Alex Proyas explicó recientemente a Cine PREMIERE que “tengo una fascinación con la vida después de la muerte, creo que todos la tenemos. Una fascinación con lo que existe a nuestro alrededor o en paralelo a nosotros”. Este interés hizo que el director responsable de títulos como El cuervo (1994), Ciudad en tinieblas (1998) y Presagio (2009) se interesara en una adaptación de Paradise Lost, poema épico de John Milton donde se relata la caída del hombre tras los engaños del demonio, las tentaciones de Adán y Eva que les hicieron comer el fruto prohibido y su expulsión del edén. La adaptación estaba programada para 2013, con Bradley Cooper a la cabeza como Lucifer y acompañado de un ambicioso elenco integrado por Benjamin Walker, Casey Affleck, Djimon Hounsou, Camilla Belle y Diego Boneta. La cinta pretendía emular lo hecho por épicas cinematográficas contemporáneas como El Señor de los Anillos (2001) y 300 (2006), pero con la peculiaridad de que recurriría al motion capture para la concepción de los ángeles y los demonios, hasta que un retraso en 2011 desembocó en su cancelación definitiva. El cineasta recordó a Collider que trabajó en la película durante más de un año “y cada vez que llegaba a mi oficina en Fox Studios en Australia, pensaba ‘bueno, no puedo creer que me dejen hacer esta película’, porque conceptualmente iba más allá de la gran escala. Y claro, tristemente eso se hizo realidad y no me dejaron hacerla. Llegaron a un punto, llegamos a un punto en la producción donde sentí que el presupuesto rebasaba el concepto”.
20,000 Leagues Under the Sea (Dir. Bryan Singer)
(Vía)
Bryan Singer saltó a la fama con Sospechosos comunes (1995), para luego entrar de lleno en el mundo del blockbuster con títulos como Superman regresa (2006), Jack El cazagigantes (2013) y cuatro entregas de X-Men. El cineasta anunció que su participación en esta última franquicia se vería interrumpida tras el desenlace de la segunda trilogía con Apocalypse (2016) para centrarse en una nueva adaptación de 20,000 Leagues Under the Sea de Julio Verne y que sería realizada con el apoyo de 20th Century Fox. “Desde que era niño y descubrí por primera vez la novela de 1870 de Julio Verne, siempre soñé con contar de nuevo este clásico”, confesó a Deadline. “Sin revelar mucho, contendrá no sólo los personajes originales del Capitán Nemo, Ned Land y el profesor Aronnax, sino también personajes nuevos y giros sci-fi que culminarán en una aventura atemporal para todas las edades”. La complicada preproducción hizo que el realizador priorizara Bohemian Rhapsody (2018), ignorante que esta película marcaría su rompimiento con el estudio: la versión oficial dice que el director fue separado del proyecto porque se ausentó injustificadamente para tratar asuntos personales relacionados con la salud de sus padres; los rumores hablaban de un mal comportamiento en el set de filmación. El plan original ha quedado atrás ahora que Fox ha pasado a manos de Disney y aunque este último estudio ha externado su interés en su propia adaptación, la contratación de Singer parece improbable.
James Bond (Dir. Danny Boyle)
(Vía)
El primer acercamiento de Danny Boyle con 007 fue en la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de 2012 celebrados en Londres, con Daniel Craig asignado al resguardo de la Reina Isabel II durante su traslado al estadio. Su labor le convirtió en una opción natural para tomar las riendas de la franquicia tras la salida de Sam Mendes y aunque las primeras negociaciones se concretaron exitosamente, la alianza se resquebrajó en 2018, cuando el cineasta abandonó el proyecto por diferencias creativas con los productores Michael G. Wilson y Barbara Broccoli. Tiempo después, el realizador explicó a Empire que “estábamos trabajando muy, muy bien, pero ellos no quisieron seguir esa ruta” y aunque algunos pensaban que la reconciliación sería posible para futuras entregas, el cineasta prácticamente descartó la posibilidad tras declarar a Metro que con la amarga experiencia “aprendí la lección de que no estoy hecho [para franquicias] porque acabas cavando en el mismo hoyo”.

Algún día me uniré a los X-Men, la Alianza Rebelde o la Guardia de la Noche. Orgulloso integrante de Cine PREMIERE desde el 2008.

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