La historia del cosplay: cuando el fandom se transforma

En 2010, una de las comunidades más apasionadas de la cultura pop gozó como nunca, cuando una de sus integrantes logró que, a partir de ese año, se reconociera al 27 de agosto como el Día internacional del Cosplay. Apoyada por la asociación sin fines de lucro DC Anime Club, la estadounidense Jennifer Alice consiguió que millones de geeks alrededor del planeta se unieran para celebrar en esta fecha a un arte con una tradición añeja.

Pero ¿por qué celebrar el cosplay? Por ser una forma de vida. Un lienzo que se extiende a lo largo de varias áreas geográficas y que permite derrochar creatividad al máximo sin importar la raza, orientación sexual, género y, por supuesto, los gustos en videojuegos, juegos de mesa, cómics, películas o series. Aquí, se te recibe con brazos abiertos. Aquí, el fandom se transforma.

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Myrtle y Forrest, viviendo a años luz del presente

En 1939, Nueva York fue sede de la edición inaugural de la World Science Fiction Convention (o Worldcon), que es considerada como la primera convención geek organizada por y para fans. Ese día sólo hubo 200 asistentes –entre quienes se presume estuvieron presentes Ray Bradbury e Isaac Asimov– (vía). No obstante, quienes atrajeron todas las miradas fueron Myrtle R. Douglas y su novio Forrest J. Ackerman. Ella era una editora independiente de fanzines y, además, una gran entusiasta del esperanto, la lengua planificada más conocida en el mundo; él, por su parte, pasaría a ser uno de los editores y agentes literarios más reconocidos dentro del género de la ciencia ficción.

La presencia de la pareja resultó relevante por la forma pionera en que se vistieron para la ocasión. Myrtle –a quien dentro de sus círculos se le conocía como ‘Morojo’, por la pronunciación en esperanto de las tres primeras iniciales de su nombre– había tenido una idea nada menos que revolucionaria: confeccionar, desde cero, prendas parecidas a las de los personajes de la película Things to Come (1936), escrita por H.G. Wells. Morojo incluso les dio nombre a sus creaciones: futuristicostumes.

Aquel año nadie más llevó un traje inspirado en tan singular premisa, pero eso estaba por cambiar.

Cosplay en Japón: un nuevo comienzo

No se puede decir que la historia del cosplay es completamente occidental, puesto que gran parte de la evolución de este fenómeno podemos atribuírsela a Japón. De hecho, es sumamente importante mencionar que el término cosplay surgió en el país del sol naciente. La Worldcon continuó llevándose a cabo anualmente y resulta ser que la edición de 1984, celebrada en Los Ángeles, contó con la presencia de Nobuyuki Takahashi. El fundador de Studio Hard quedó fascinado con la cantidad de fans que iban y venían pretendiendo ser quienes no eran.

Rápidamente pensó en un término que se pudiera asociar a su nuevo descubrimiento, ya que quería exportarlo a territorio nipón. El resultado fue una combinación de la primera sílaba en inglés de costume (disfraz) y la palabra play (jugar), lo cual se traduce en japonés como kosupure (コスプレ), o “juego de disfraces”. Takahashi incluiría su palabra compuesta en un artículo para la revista My Anime, que se publicó ese mismo año.

Si bien, con la celebración de la primera Comiket –evento bianual célebre por la compra y venta de manga autopublicado (Dōjinshi)– en 1975, se había vuelto cada vez más frecuente ver a personas caracterizadas como los personajes de sus franquicias favoritas en ese y otros eventos locales de la nación asiática; el verdadero boom llegó después de que Takahashi realizó su cobertura. Para la década de los 90, los primeros café cosplay abrieron sus puertas en Akihabara y la popularidad de esta actividad siguió incrementándose paulatinamente en las décadas posteriores.

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Como lo reporta Japan Daily, el cosplay es actualmente toda una cultura en sí misma a nivel local, pues cada año se celebran concursos y convenciones masivas, y la más importante es la World Cosplay Summit (WCS, por sus siglas en inglés), que tiene lugar en la ciudad de Nagoya desde 2003. En 2018, por ejemplo, los campeones de la competencia mundial fueron Luis Sáenz y Eduardo Peralta –los Banana Cospboys–, ¡ambos orgullosamente mexicanos! Ellos se llevaron el primer lugar encarnando a Chun-Li y Dhalsim del videojuego Street Fighter II: The World Warrior.

“El cosplay no es sólo ponerte un disfraz. Es como llegar a ser un superhéroe o un príncipe, o puedes llegar a ser el personaje que tú quieras, que a ti te gusta”, dijo Luis Sáenz en una entrevista para el blog Kawaii Aichi tras su victoria en WCS 2018. “En México, creo que es muy, muy grande, todo el tema del cosplay (…) Ojalá lo siga siendo y siga creciendo en el país”.

Las reglas

Pese a que entre cosplayers hay mucho orden y respeto, existen varias convenciones que cuentan con reglas claras para garantizar un rato agradable. La mayoría de los eventos enfocan sus lineamientos en que los trajes no sean muy aparatosos; que no se usen props de armas muy elaborados o que las vestimentas no resulten ofensivas para otros asistentes. También hay que tener en cuenta que no siempre los fans que se caracterizan están abiertos a tomarse fotografías con el público, por lo que siempre es importante preguntar antes de hacerlo.

En ese sentido, una de las reglas más importantes es que nunca se debe acosar física, verbal o sexualmente a ningún cosplayer. Precisamente por ello se creó el movimiento Cosplay Is Not Consent (vía), el cual busca crear conciencia de que, muchas veces, estos artistas se enfrentan a tocamientos indebidos de parte de otros visitantes; especialmente, cuando su conjunto de prendas expone alguna parte de su cuerpo. Desde 2013, numerosas organizaciones, incluyendo la Comic-Con de Nueva York, se han sumado a esta iniciativa.

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Cosplay en México: la hermandad crece

La historia del cosplay en México suele asociarse principalmente al éxito del anime en la televisión abierta nacional, con títulos como Dragon Ball o Sailor Moon. Según información de Excélsior y la Universidad de Guadalajara, esta tradición cobraría fuerza en territorio azteca durante la década de los 90.

La primera Feria de la Historieta se realizó en 1993, en lo que ahora es la Facultad de Estudios Superiores (FES) Aragón, de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Dicho evento fue organizado sólo para estudiantes, y apenas unas pocas personas acudieron caracterizadas; sin embargo, marcaría un punto de inflexión.

Desde entonces, surgieron numerosos espacios donde todo tipo de cosplayers pueden reunirse y compartir su pasión, como la Conque –desde 1994– o La Mole Comic-Con –nacida en 1996–. Y claro, también son muy conocidos los concursos de cosplay que se llevan a cabo en la Friki Plaza, cerca del Centro Histórico de la Ciudad de México. Ahí se dan cita multitudes que llegan desde varios estados de la República Mexicana.

En entrevista con Milenio, la afamada cosplayer Breentawr declaró lo siguiente:

“Es algo emocionante poder ser por un momento uno de tus personajes favoritos y, cuando se emocionan al verte, te hace feliz. Cuando me pongo un cosplay me siento bien”.

Asimismo, ella hizo énfasis en que realizar un buen cosplay implica una inversión considerable, aunque reconoce que, con creatividad suficiente, puede ser más económico:

“Hay trajes muy variados de precio, pero puedo decir que es caro. El [cosplay] más barato que tengo va desde los mil 500 pesos y pueden llegar a costar 6 mil pesos o más (…) Es mucho más barato hacer tu cosplay, solo gastas en la materia prima. Cuando mandas a hacer uno o lo compras ya hecho, estás pagando por los materiales y el tiempo que esa persona invierte en hacer ese trabajo. La mayor diferencia siempre va a ser el acabado: cuando tú lo haces, decides todo”.

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Tipos de cosplay

De acuerdo con el blog All About Cosplay, estos son algunos de los principales tipos de cosplay que se pueden encontrar en las convenciones:

• El de universo alterno

En la comunidad especializada, el término AU (alternate universe) se refiere a cualquier indumentaria que mantiene elementos que forman parte del canon de un universo de ficción, pero con un elemento que cambia. Por ejemplo: ¿qué pasaría si las princesas Disney conservaran sus respectivas historias, pero fueran estudiantes de Hogwarts?

• El mash-up

Contrario a los universos alternos, aquí se puede dar el caso de que no sea únicamente un elemento el que se contraponga a los demás accesorios, sino que se pueden combinar múltiples detalles de numerosas franquicias a la vez. ¿Qué tal esta Tortuga Ninja Trooper?

• Crossplayer

Son cosplays en los cuales el artista toma el rol de un personaje de distinto género, transformándose por completo –gracias a maquillaje y accesorios–. Alguien que es muy conocida por esto es la cosplayer femenina Pikmin Link que, de manera impresionante y convincente, aquí se vuelve Link de The Legend of Zelda.

• Genderbending

Aquí no se cambia totalmente. Hay artistas que deciden darle a sus personajes favoritos un giro, volviéndolos de un género distinto, adaptando su vestimenta y accesorios.

• Mecha

Como su nombre lo indica, son cosplays basados en robots gigantescos del anime, las series o el cine. Aquí puedes ver algunos de los más impresionantes.

• Kirigumi o Dolliers

Son cosplays que en estricto sentido se podrían considerar botargas –al igual que los llamados furries–, ya que en lugar de maquillaje se utilizan grandes máscaras de los personajes. Muchas personas no los consideran cosplays, pero son una suerte de creación híbrida.

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Esta fue una breve historia del cosplay. Un arte que implica mucho más que sólo ponerse un disfraz.

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José Roberto Landaverde Me fascina escribir, escuchar, leer y comentar todo lo relacionado con el cine. Me encanta la música y soy fan de The Beatles, Fleetwood Mac y Paramore. Mis películas favoritas son Rocky y Back to the Future y obvio algún día subiré los "Philly Steps" y conduciré un DeLorean. Fiel creyente de que el cine es la mejor máquina teletransportadora, y también de que en la pantalla grande todos nos podemos ver representados.